Emo Fashion Designers: quem desenhou realmente o look Emo

Uma t-shirt com alfinetes de dama de Londres, umas calças com correias de Nova Iorque, um lenço com caveiras da passerelle em Paris. A isso junta-se um baixista de Chicago que desenha hoodies à noite. Quem esteve na fila à porta de um concerto Emo nos anos 2000 trazia vestidas decisões de pessoas cujos nomes quase ninguém conhecia. O look parecia ter surgido do nada, do próprio quarto de adolescente. Mas tinha autores, e esses estavam em lugares muito diferentes.

Emo Fashion Designers são as pessoas que moldaram as formas do look Emo: designers de Punk como Vivienne Westwood, labels de cena como Tripp NYC, músicos com marcas próprias como Pete Wentz e Oli Sykes, e ainda nomes de passerelle como Raf Simons e Alexander McQueen. Como o look funciona no seu conjunto está no nosso guia Emo. Aqui falamos das cabeças por trás dele.

Antes de passarmos pelos nomes, uma distinção que sustenta o resto do artigo: uma marca vende roupa, um designer decide sobre forma, corte e detalhe. No Emo os dois papéis coincidem muitas vezes, às vezes estão separados por continentes.

O Emo nunca foi uma tendência de designer que veio de cima. A cena nasceu em meados dos anos 80 em Washington, D.C., em pequenos clubes de Hardcore, e os primeiros outfits eram simples: t-shirt de banda, jeans, sapatilhas gastas. Ninguém apresentou ali uma colecção. O look cresceu a partir do que estava na loja de segunda mão e do que se podia mudar com marcador e agulha.

Ainda assim há designers sem os quais o look Emo posterior teria outro aspecto. Os designers de Punk dos anos 70 tinham definido a linguagem: alfinetes de dama, correias, xadrez, bordas rasgadas de propósito. Labels de cena em Nova Iorque e Los Angeles verteram essa linguagem em peças usáveis nos anos 90 e 2000. E a partir do início dos anos 2000 designers de passerelle em Paris e Antuérpia olharam exactamente para esta cultura juvenil.

O resultado é um look com muitos pais e mães. A regra: quem procura designers Emo não procura um rosto, mas uma cadeia de decisões. A silhueta justa veio de um lado, a ferragem de outro, o grafismo da mesa de merch. Vamos percorrer essa cadeia elo por elo.

Três fontes, um look. Para que os nomes façam sentido mais à frente, vale a pena olhar primeiro com clareza para o que define o estilo Emo e como o reconheces.

O estilo Emo é um look escuro, justo e pessoal que vem da cena Punk e Hardcore. São típicas as calças estreitas ou as calças largas com ferragem, t-shirts de banda justas, hoodies, cintos de pregos, sapatilhas rasas, cabelo pintado de preto com franja comprida e eyeliner escuro. As peças raramente são caras. Parecem usadas, muitas vezes alteradas pela própria pessoa.

O que separa o Emo do Goth é a postura. O Goth é dramático e romântico, o Emo é directo e vulnerável. O que separa o Emo do Punk é a proximidade: o Punk volta-se contra o mundo, o Emo fala do que acontece por dentro. Essa postura traduz-se em roupa que assenta junto ao corpo e explica pouco.

Para os designers é precisamente aí que está a dificuldade. Um look que vive de autenticidade é difícil de desenhar. Por isso os designers que marcaram o Emo raramente inventaram algo. Pegaram no que já estava na rua e tornaram-no mais preciso, mais durável ou mais visível.

Antes de falarmos de designers concretos, mais uma pergunta que muitos fazem primeiro: o que significa a palavra Emo, e de onde vem?

Emo é a forma abreviada de emocional, mais precisamente de Emotional Hardcore ou Emocore. Em português quer dizer simplesmente emocional. O termo não descrevia originalmente moda, mas música: Hardcore Punk em que as letras se tornavam pessoais e a voz podia quebrar. Bandas como os Rites of Spring são consideradas o ponto de partida.

Só no final dos anos 90 e sobretudo nos anos 2000 é que Emo se tornou um nome de moda. Com bandas a tocar em grandes pavilhões veio um look reconhecível, e com o look vieram lojas, labels e finalmente designers que o servissem. Muitos músicos da cena nunca gostaram da palavra. Achavam que transformava um sentimento numa gaveta.

Para a moda esta história é importante. A roupa Emo foi primeiro roupa de palco de gente sem orçamento. O que vestiam foi copiado, e só depois alguém desenhou peças que deviam ter exactamente esse aspecto. A ordem foi: palco, público, label.

Os anos 90 mostram o look antes de qualquer designer. O passo seguinte leva-nos de volta aos anos 70, à pessoa que tornou o Punk pensável como moda.

Vivienne Westwood não desenhou o Emo. Mas sem ela não existiria a linguagem que o Emo fala. Nos anos 70 mantinha com Malcolm McLaren uma loja na King's Road em Londres que se tornou ponto de encontro da cena Punk. Ali estavam calças de bondage com correias entre as pernas, t-shirts com alfinetes de dama, pulôveres rasgados e tecidos de xadrez.

Estes detalhes aparecem 30 anos mais tarde quase um a um no look Emo. As correias nas calças, o alfinete na t-shirt, o xadrez na saia, a costura deixada aberta de propósito. O Emo tornou o Punk de Westwood mais suave, cortou-o mais justo e pintou-o mais escuro. A gramática manteve-se a mesma.

Importante é também a sua postura: roupa como afirmação, não como decoração. Uma peça tem de dizer algo, mesmo que pareça estragada. É esse o núcleo que o Emo herdou. Ali uma t-shirt rasgada não é um acidente, é uma decisão.

Quem quiser usar esta linha hoje não precisa de peças de arquivo. Alfinete de dama, costura à vista, tecido desbotado: são estes os sinais que vão de Londres até ao centro comercial e até aos fits de hoje.

Westwood definiu a linguagem. Mas as pessoas que depois vestiram de facto o Emo nos anos 2000 estavam muitas vezes elas próprias em palco.

Os designers Emo mais marcantes dos anos 2000 não eram diplomados por escolas de moda, eram músicos. Sabiam o que o seu público queria vestir porque o vestiam eles mesmos. Os seus labels nasceram do negócio do merch e cresceram porque os fãs não queriam só a banda, queriam o look todo.

Pete Wentz, baixista dos Fall Out Boy, fundou em meados dos anos 2000 a Clandestine Industries. Os hoodies com motivos de morcego e os cortes justos acertaram no que a cena já vestia. Oli Sykes, vocalista dos Bring Me the Horizon, lançou em Sheffield a Drop Dead com prints berrantes, quase de banda desenhada, e humor negro. Travis Barker fundou em 1999 a Famous Stars and Straps, Mark Hoppus e Tom DeLonge em 2001 a Atticus.

A regra nos labels de músicos: credibilidade antes do corte. Estas peças não tinham sempre bons acabamentos, mas vinham de dentro. Um hoodie da banda que viste ao vivo trazia uma história que nenhuma marca de centro comercial conseguia entregar.

O que estes músicos tinham em comum: desenhavam para gente que viam todas as noites à frente do palco. A segunda grande fonte do look foi, pelo contrário, um label que muito antes do Emo já tinha repensado as calças em Nova Iorque.

A Tripp NYC foi fundada nos anos 80 em Nova Iorque por Daang Goodman e abasteceu primeiro a cena Punk e de clubes. A partir do final dos anos 90 o label estava em todas as lojas de centro comercial que tinham roupa alternativa. As calças com correias, argolas em D, correntes e fechos nas pernas tornaram-se símbolo de toda uma geração.

A abordagem de Goodman era simples: as calças carregam o outfit. Em cima basta uma t-shirt preta se em baixo houver ferragem. O Emo herdou essa distribuição de peso. Muitos looks Emo dos anos 2000 eram feitos de uma parte de cima simples e de umas calças que resolvem todo o resto.

Ao mesmo tempo a Tripp mostra como o Emo lidou com o Punk. As correias de bondage vêm da loja de Westwood, mas a Tripp tornou-as acessíveis, usáveis no dia a dia e disponíveis em muitas larguras. As calças com correias passaram da afirmação de uma cena pequena para o padrão do centro comercial.

Hoje o princípio funciona igual com cortes mais largos. Pregos na cintura, correntes ao lado, denim desbotado com postura: as calças continuam a ser o lugar onde um fit Emo ganha a sua dureza.

Nova Iorque e Londres deram as calças e a gramática. Uma terceira fonte da moda juvenil escura, muitas vezes esquecida, estava ao mesmo tempo no outro extremo do mundo, em Tokyo.

Em Tokyo nasceu nos anos 90 uma geração de designers que levou o Punk e o rock mais a sério do que a maioria dos labels ocidentais. Jun Takahashi fundou a Undercover e trabalhava com o mote de fazer ruído em vez de roupa. As suas colecções misturavam citações Punk, patchwork e grafismo sombrio em peças que eram mais arte do que merch.

Takahiro Miyashita moldou com a Number (N)ine um look Grunge que se referia abertamente a Kurt Cobain: flanelas desbotadas, jeans estreitas, malhas estragadas. Nobuhiko Kitamura trouxe com a Hysteric Glamour, desde os anos 80, grafismo de rock e pin-up para t-shirts e casacos, alto e deliberadamente trashy.

Para o look Emo na Alemanha estes nomes raramente eram visíveis de forma directa, as suas peças eram caras e difíceis de obter. A sua influência passou por desvios: por revistas, por músicos que os usavam, por labels que recriavam as suas ideias mais barato. A silhueta justa, escura e ligeiramente destruída dos anos 2000 tem aqui uma das suas origens.

O que levamos dos designers japoneses: estragado não quer dizer barato. Uma peça desbotada e danificada de propósito pode estar feita com mais precisão do que uma nova. É exactamente essa precisão no aparentemente casual que faz hoje um bom fit Emo.

Os labels japoneses mostraram que o Punk funciona a alto nível. No início dos anos 2000 a passerelle europeia seguiu-os e pegou abertamente na cultura juvenil.

Raf Simons construiu a sua carreira sobre culturas juvenis. O designer belga mostrou já nos anos 90 silhuetas estreitas, citações de uniforme escolar e referências a bandas. A sua colecção Riot Riot Riot de 2001, com layering, patches e capuzes, é considerada o momento em que subcultura e passerelle se juntaram definitivamente.

Alexander McQueen entregou o acessório que marcou os anos Scene e Emo como quase nenhum outro: o lenço com caveiras. A partir de 2003 apareceu em todo o lado, em concertos, em videoclipes, nas séries de fotos dos primeiros anos das redes sociais. Houve-o em inúmeras cores, e ainda mais cópias dele.

Estes dois nomes mostram como a influência corria nos dois sentidos. Os designers olhavam para a cena, a cena ia buscar de volta os seus detalhes. Quase nenhum Emo kid usava peças de passerelle verdadeiras, mas o corte do hoodie, o padrão no colo e o comprimento das calças vinham no fim muitas vezes de lá.

Um acessório como o lenço mostra o quão pequena pode ser a alavanca. Muitas vezes basta uma única peça no colo, no cinto ou na mala para ancorar um outfit simples claramente no canto Emo.

Isso vale hoje mais do que nunca. Cruz no cinto, pendente nas calças, um detalhe com postura: as peças pequenas carregam a assinatura que antes era carregada pelo lenço.

Até aqui apareceram sobretudo nomes masculinos. No entanto as designers moldaram o look escuro e rebelde pelo menos tanto, e muita gente pergunta expressamente por elas.

Entre as designers mais famosas da história da moda estão Coco Chanel, Vivienne Westwood, Rei Kawakubo, Miuccia Prada e Ann Demeulemeester. Para a moda escura e subcultural três delas são especialmente importantes: Westwood pelo Punk, Kawakubo pela desconstrução e Demeulemeester por um rigor sombrio e poético.

Rei Kawakubo levou com a Comme des Garçons, no início dos anos 80 em Paris, preto, buracos e cortes assimétricos à passerelle. Na época os críticos chamaram-lhe pobreza. Para todas as subculturas escuras seguintes tornou-se a autorização para entender estragado e preto como estilo. Ann Demeulemeester, de Antuérpia, combinou camadas longas e negras com referências ao rock e à poesia.

No look Emo estas designers não aparecem como label, mas como princípio. O preto sem desculpas, o pensamento por camadas, a borda deliberadamente inacabada. A isso juntam-se as muitas mulheres da própria cena, que montaram os seus outfits com peças de segunda mão, meias de rede e t-shirts de banda e definiram assim o look Emo feminino.

Quem quiser construir o look por categoria, em vez de por nome, começa melhor nos quatro blocos que regressam em todos os designers: parte de cima, calças, casaco e peças pequenas.

Os grandes nomes estão definidos. Interessante é saber quem continua a escrever a assinatura Emo hoje, porque a geração que era jovem nos anos 2000 já desenha ela própria.

Um bom exemplo é a Trashy Clothing de Amã, fundada por Shukri Lawrence e Omar Braika. O label trabalha com ironia, política e cultura de internet. Em 2019 dedicou uma colecção aos Emo kids dos anos 2000: pessoas que encontraram online a sua música, as suas fotos e a sua cena, longe dos centros comerciais da Califórnia.

Isso mostra como o design Emo se deslocou. Antes o look vinha de poucas cidades e era distribuído por lojas. Hoje nasce em qualquer lugar onde alguém tenha internet. Os designers já não pegam numa cena local, mas numa memória comum de MySpace, fotos de webcam e t-shirts de banda desbotadas.

Ao lado disso existem muitos labels pequenos que servem Emo, Goth e Grunge em conjunto. Vendem quase só online, trabalham com tiragens pequenas e reagem depressa ao que aparece no TikTok ou em videoclipes. O designer é muitas vezes ao mesmo tempo fotógrafo, modelo e dono da loja.

Marcas e designers são dois lados da mesma história. Para a camada de cima do outfit vale nos novos a mesma regra que nos antigos: um casaco com forma clara vence qualquer logo.

Por isso os designers Emo de hoje pensam muitas vezes em conjuntos. Casaco e calças de uma só peça, cores escuras, correias e bolsos que não são só decoração. É lógica Tripp, apenas prolongada para cima.

Com os novos designers veio também uma nova linguagem para a cena. Muitos que hoje têm este aspecto já não se chamariam Emo.

Hoje chama-se aos Emos simplesmente Emo, muitas vezes com um acrescento: Emo Revival, Emo da Gen Z ou Alt. Quem usa o look online é frequentemente chamado E-Girl ou E-Boy. O termo Scene designa a variante mais colorida do final dos anos 2000. Muitos dizem simplesmente Alt Fashion quando querem dizer Emo, Goth e Grunge em conjunto.

As designações mudaram, o código quase nada. Cabelo escuro, calças justas ou largas com ferragem, t-shirts de banda, eyeliner, corrente no cinto. Novo é sobretudo o quão abertamente se mistura. Um outfit Emo de hoje pode conter bolsas Techwear, denim Y2K ou jóias Goth sem perder a sua origem.

Séries de festas como a Emo Nite, que decorrem em muitas cidades desde meados dos anos 2010, mostraram que a geração antiga nunca abandonou totalmente o seu look. E a nova geração usa-o sem ter vivido os anos dos centros comerciais. Para os designers isso quer dizer: desenham para a memória e para a curiosidade ao mesmo tempo.

Independentemente do nome que se lhe dê: o look continua a seguir as regras que os designers de Westwood a Wentz estabeleceram. Essas regras podes aplicá-las directamente.

De toda esta história de designers podem tirar-se poucas regras, mas claras. Primeiro: um ponto carrega o outfit. Na Tripp eram as calças, em McQueen o lenço, em Wentz o hoodie. Segundo: estragado é permitido, se parecer intencional. Terceiro: o preto é a base, a cor entra em doses pequenas.

Quarto: mistura níveis. Uma peça com pretensão de designer, o resto simples. Foi sempre assim que os Emo kids o fizeram, com um bom cinto e uma t-shirt da mesa de merch. Um look completo de uma única fonte parece um catálogo, não uma pessoa.

O erro mais frequente ao reconstruir é demasiado de uma vez. Quem usa todas as referências ao mesmo tempo não parece designer, parece loja de carnaval. Os erros seguintes são os que vemos com mais frequência.

Quem evita estes erros não precisa de orçamento de designer. A assinatura está no corte, na distribuição de peso e num único detalhe claro.

Quase todos os designers Emo começaram pequenos. Westwood com uma loja, Wentz e Sykes com merch, a Trashy Clothing com Instagram. A entrada na moda de cena passa até hoje raramente pela grande escola de moda, mas por peças próprias que outros querem ter.

O caminho clássico: alterar peças de segunda mão, imprimir t-shirts, coser patches, mostrar os resultados online. Quem quiser aprender corte e material encontra cursos em escolas de moda e em centros de formação. Mais importante do que o certificado é, porém, a proximidade à cena: concertos, fóruns, as pessoas que usam o look de verdade.

Quem se ocupa a sério do design Emo deve conhecer a história que percorremos aqui. Não para a copiar, mas para saber que detalhes têm um significado. Uma correia nas calças nunca é só uma correia.

Para o teu próprio look vale o mesmo que para o teu próprio label: começa com uma peça que dá a direcção e constrói o resto à volta. Uma washed tee e um colete duro bastam como base.

Para terminar, as perguntas que surgem com mais frequência sobre designers Emo, respondidas de forma curta e directa, sem o desvio por toda a história.

Os nomes mudam, as formas ficam. Quem sabe de onde vem um detalhe usa-o com mais calma e pode aplicá-lo de forma dirigida.