Emo Fashion Designers: kto naprawdę zaprojektował look emo

Koszulka z agrafkami z Londynu, spodnie z pasami z Nowego Jorku, szal z czaszkami z wybiegu w Paryżu. Do tego basista z Chicago, który nocami projektuje bluzy. Kto w latach 2000 stał w kolejce przed koncertem emo, nosił decyzje ludzi, których nazwisk prawie nikt nie znał. Look wyglądał, jakby wziął się znikąd, z własnego pokoju. Miał jednak autorów, a ci siedzieli w bardzo różnych miejscach.

Emo Fashion Designers to ludzie, którzy ukształtowali formy looku emo: projektanci punkowi jak Vivienne Westwood, labele sceny jak Tripp NYC, muzycy z własnymi markami jak Pete Wentz i Oli Sykes, do tego nazwiska z wybiegu jak Raf Simons i Alexander McQueen. Jak look działa jako całość, opisujemy w naszym przewodniku po emo. Tutaj chodzi o głowy, które za tym stoją.

Zanim przejdziemy przez nazwiska, jedno rozróżnienie, na którym stoi reszta tego artykułu: marka sprzedaje ubrania, projektant decyduje o formie, kroju i detalu. W emo obie role często się pokrywają, czasem dzielą je kontynenty.

Emo nigdy nie było trendem projektantów narzuconym z góry. Scena powstała w połowie lat 80. w Waszyngtonie, w małych klubach hardcore, a pierwsze outfity były proste: koszulka zespołu, dżinsy, zdarte sneakersy. Nikt nie prezentował tam kolekcji. Look wyrósł z tego, co wisiało w lumpeksie i co dało się zmienić markerem i igłą.

Mimo to są projektanci, bez których późniejszy look emo wyglądałby inaczej. Projektanci punkowi lat 70. ustalili język: agrafki, pasy, krata, celowo zniszczone krawędzie. Labele sceny w Nowym Jorku i Los Angeles odlały ten język w noszalne części w latach 90. i 2000. A od początku lat 2000 projektanci z wybiegów w Paryżu i Antwerpii patrzyli dokładnie na tę kulturę młodzieżową.

Efektem jest look z wieloma ojcami i matkami. Zasada: kto szuka projektantów emo, nie szuka twarzy, tylko łańcucha decyzji. Wąska sylwetka przyszła z jednej strony, hardware z drugiej, grafika ze stolika z merchem. Przechodzimy przez ten łańcuch ogniwo po ogniwie.

Trzy źródła, jeden look. Żeby nazwiska miały później sens, warto najpierw jasno spojrzeć na to, czym w ogóle jest styl emo i po czym go poznasz.

Styl emo to ciemny, wąski, osobisty look ze sceny punkowej i hardcore. Typowe są wąskie spodnie albo szerokie spodnie z hardware'em, obcisłe koszulki zespołów, bluzy, pasy z ćwiekami, płaskie sneakersy, włosy farbowane na czarno z długą grzywką i ciemny eyeliner. Części rzadko są drogie. Wyglądają na noszone, często przerabiane własnoręcznie.

To, co oddziela emo od Gothic, to postawa. Gothic jest dramatyczny i romantyczny, emo jest bezpośrednie i wrażliwe. To, co oddziela emo od punka, to bliskość: punk zwraca się przeciw światu, emo mówi o tym, co dzieje się w środku. Ta postawa przekłada się na ubrania, które leżą blisko ciała i mało tłumaczą.

Dla projektantów to właśnie jest trudność. Look, który żyje z autentyczności, trudno zaprojektować. Projektanci, którzy ukształtowali emo, rzadko więc coś wymyślali. Podchwycili to, co już było na ulicy, i zrobili to precyzyjniej, trwalej albo bardziej widocznie.

Zanim przejdziemy do pojedynczych projektantów, jeszcze pytanie, które wielu zadaje najpierw: co właściwie znaczy słowo emo i skąd się wzięło?

Emo to skrót od emotional, dokładniej od Emotional Hardcore albo Emocore. Znaczy więc po prostu emocjonalny. Pojęcie opisywało pierwotnie nie modę, tylko muzykę: hardcore punk, w którym teksty stawały się osobiste, a głosowi wolno było się załamać. Zespoły jak Rites of Spring uchodzą za punkt startowy.

Dopiero pod koniec lat 90., a przede wszystkim w latach 2000, emo stało się określeniem modowym. Z zespołami grającymi w dużych halach przyszedł rozpoznawalny look, a z lookiem przyszły sklepy, labele i w końcu projektanci, którzy go obsługiwali. Wielu muzyków sceny nigdy nie lubiło tego słowa. Uważali, że robi z uczucia szufladkę.

Dla mody ta historia jest ważna. Ubrania emo były najpierw ubraniami scenicznymi ludzi bez budżetu. To, co nosili, było kopiowane, i dopiero potem ktoś zaprojektował części, które miały wyglądać dokładnie tak. Kolejność była taka: scena, publiczność, label.

Lata 90. pokazują look przed jakimkolwiek projektantem. Następny krok prowadzi z powrotem do lat 70., do osoby, która w ogóle uczyniła punk możliwym do pomyślenia jako modę.

Vivienne Westwood nie zaprojektowała emo. Ale bez niej nie byłoby języka, którym emo mówi. W latach 70. prowadziła z Malcolmem McLarenem sklep przy King's Road w Londynie, który stał się punktem spotkań sceny punkowej. Wisiały tam spodnie bondage z pasami między nogami, koszulki z agrafkami, podarte swetry i materiały w kratę.

Trzydzieści lat później te detale pojawiają się w looku emo niemal jeden do jednego. Pasy przy spodniach, agrafka w koszulce, krata na spódnicy, celowo otwarty szew. Emo zmiękczyło punk Westwood, skroiło go węziej i przefarbowało na ciemniej. Gramatyka została ta sama.

Ważna jest też jej postawa: ubranie jako wypowiedź, nie jako dekoracja. Część musi coś mówić, nawet jeśli wygląda na zniszczoną. To jest rdzeń, który emo przejęło. Podarta koszulka nie jest tam wypadkiem, tylko decyzją.

Kto chce dziś nosić tę linię, nie potrzebuje części archiwalnych. Agrafka, widoczny szew, sprany materiał: to są sygnały, które sięgają z Londynu przez galerię handlową aż do dzisiejszych fitów.

Westwood ustaliła język. Ale ludzie, którzy w latach 2000 faktycznie ubierali emo, często sami stali na scenie.

Najbardziej formujący projektanci emo lat 2000 nie byli absolwentami szkół mody, tylko muzykami. Wiedzieli, co ich publiczność chce nosić, bo sami to nosili. Ich labele wyrosły z biznesu merchowego i rosły, bo fani chcieli nie tylko zespołu, ale całego looku.

Pete Wentz, basista Fall Out Boy, założył w połowie lat 2000 Clandestine Industries. Bluzy z motywami nietoperzy i wąskie kroje trafiały dokładnie w to, co scena i tak nosiła. Oli Sykes, wokalista Bring Me the Horizon, wystartował w Sheffield z Drop Dead, z jaskrawymi, komiksowymi printami i czarnym humorem. Travis Barker założył w 1999 Famous Stars and Straps, Mark Hoppus i Tom DeLonge w 2001 Atticus.

Zasada przy labelach muzyków: wiarygodność przed krojem. Te części nie zawsze były dobrze wykonane, ale pochodziły z wewnątrz. Bluza od zespołu, który widziałeś na żywo, niosła historię, jakiej żadna marka z galerii nie mogła dostarczyć.

Co łączyło tych muzyków: projektowali dla ludzi, których co wieczór widzieli przed sceną. Drugim wielkim źródłem looku był natomiast label, który na długo przed emo przemyślał spodnie od nowa w Nowym Jorku.

Tripp NYC zostało założone w latach 80. w Nowym Jorku przez Daanga Goodmana i zaopatrywało najpierw scenę punkową i klubową. Od końca lat 90. label wisiał w każdym sklepie w galerii, który prowadził ubrania alternatywne. Spodnie z pasami, D-ringami, łańcuchami i zamkami na nogawkach stały się symbolem całego pokolenia.

Podejście Goodmana było proste: spodnie niosą outfit. Na górze wystarczy czarna koszulka, jeśli na dole wisi hardware. Emo przejęło to rozłożenie ciężaru. Wiele looków emo lat 2000 składało się ze skromnej góry i spodni, które załatwiały całą resztę.

Jednocześnie Tripp pokazuje, jak emo obchodziło się z punkiem. Pasy bondage pochodzą ze sklepu Westwood, ale Tripp uczynił je przystępnymi cenowo, nadającymi się na co dzień i dostępnymi w wielu szerokościach. Spodnie z pasami przeszły z wypowiedzi małej sceny do standardu w galerii.

Dziś ta zasada działa tak samo przy szerszych krojach. Ćwieki przy pasku, łańcuchy z boku, sprany denim z postawą: spodnie pozostają miejscem, w którym fit emo dostaje swoją twardość.

Nowy Jork i Londyn dostarczyły spodnie i gramatykę. Trzecie, często pomijane źródło ciemnej mody młodzieżowej leżało w tym samym czasie na drugim końcu świata, w Tokio.

W Tokio powstało w latach 90. pokolenie projektantów, które traktowało punk i rock poważniej niż większość zachodnich labeli. Jun Takahashi założył Undercover i pracował pod hasłem robienia hałasu zamiast ubrań. Jego kolekcje mieszały punkowe cytaty, patchwork i mroczną grafikę w części, które były raczej sztuką niż merchem.

Takahiro Miyashita ukształtował w Number (N)ine grunge look, który otwarcie odwoływał się do Kurta Cobaina: sprane flanele, wąskie dżinsy, zniszczone dzianiny. Nobuhiko Kitamura od lat 80. przenosił w Hysteric Glamour rockową i pin-upową grafikę na koszulki i kurtki, głośno i świadomie tandetnie.

Dla looku emo w Niemczech te nazwiska rzadko były widoczne bezpośrednio, ich części były drogie i trudne do zdobycia. Ich wpływ szedł okrężnie: przez magazyny, przez muzyków, którzy je nosili, przez labele, które odtwarzały ich pomysły taniej. Wąska, ciemna, lekko zniszczona sylwetka lat 2000 ma tu jedno ze swoich źródeł.

Co bierzemy od japońskich projektantów: zniszczone nie znaczy tanie. Sprana, celowo uszkodzona część może być zrobiona precyzyjniej niż nowa. Właśnie ta precyzja w pozornie przypadkowym robi dziś dobry fit emo.

Japońskie labele pokazały, że punk działa na wysokim poziomie. Na początku lat 2000 europejski wybieg dociągnął i otwarcie sięgnął po kulturę młodzieżową.

Raf Simons zbudował karierę na kulturach młodzieżowych. Belgijski projektant pokazywał już w latach 90. wąskie sylwetki, cytaty z mundurków szkolnych i odniesienia do zespołów. Jego kolekcja Riot Riot Riot z 2001 z layeringiem, naszywkami i kapturami uchodzi za moment, w którym subkultura i wybieg ostatecznie się spotkały.

Alexander McQueen dostarczył dodatek, który ukształtował lata scene i emo jak mało co: szal z czaszkami. Od 2003 pojawiał się wszędzie, na koncertach, w teledyskach, w sesjach zdjęciowych pierwszych lat mediów społecznościowych. Był w niezliczonych kolorach, a kopii jeszcze więcej.

Te dwa nazwiska pokazują, jak wpływ płynął w obie strony. Projektanci patrzyli na scenę, scena odbierała sobie swoje detale. Mało który emo kid nosił prawdziwe części z wybiegu, ale krój bluzy, wzór przy szyi i długość spodni ostatecznie często stamtąd pochodziły.

Dodatek taki jak szal pokazuje, jak mała może być dźwignia. Często wystarczy jedna część przy szyi, przy pasku albo na torbie, żeby skromny outfit jasno zakotwiczyć w rogu emo.

Dziś dotyczy to bardziej niż kiedykolwiek. Krzyż przy pasku, zawieszka przy spodniach, detal z postawą: drobne części niosą charakter pisma, który wcześniej niósł szal.

Dotąd padały przede wszystkim męskie nazwiska. A projektantki ukształtowały ciemny, buntowniczy look co najmniej tak samo, i wielu pyta o nie wprost.

Do najbardziej znanych projektantek w historii mody należą Coco Chanel, Vivienne Westwood, Rei Kawakubo, Miuccia Prada i Ann Demeulemeester. Dla ciemnej, subkulturowej mody szczególnie ważne są trzy z nich: Westwood dla punka, Kawakubo dla dekonstrukcji i Demeulemeester dla mrocznej, poetyckiej surowości.

Rei Kawakubo wprowadziła z Comme des Garçons na początku lat 80. w Paryżu czerń, dziury i asymetryczne kroje na wybieg. Krytycy nazywali to wtedy nędzą. Dla wszystkich późniejszych ciemnych subkultur stało się to pozwoleniem, by rozumieć zniszczone i czarne jako styl. Ann Demeulemeester z Antwerpii łączyła długie, czarne warstwy z odniesieniami rockowymi i poetyckimi.

W looku emo te projektantki pojawiają się nie jako label, tylko jako zasada. Czerń bez przeprosin, myślenie warstwami, celowo niewykończona krawędź. Do tego dochodzi wiele kobiet samej sceny, które składały swoje outfity z części z lumpeksu, kabaretek i koszulek zespołów i dopiero przez to zdefiniowały kobiecy look emo.

Kto chce budować look według kategorii, a nie według nazwisk, najlepiej zacznie od czterech klocków, które wracają u wszystkich projektantów: góra, spodnie, kurtka i drobne części.

Wielkie nazwiska są ustalone. Ciekawe jest, kto dziś pisze dalej emo charakter pisma, bo pokolenie, które było młode w latach 2000, samo już projektuje.

Dobrym przykładem jest Trashy Clothing z Ammanu, założone przez Shukriego Lawrence'a i Omara Braikę. Label pracuje z ironią, polityką i kulturą internetu. W 2019 poświęcił kolekcję emo kids lat 2000: ludziom, którzy swoją muzykę, swoje zdjęcia i swoją scenę znaleźli online, daleko od galerii handlowych w Kalifornii.

To pokazuje, jak przesunął się design emo. Kiedyś look pochodził z kilku miast i był rozprowadzany przez sklepy. Dziś powstaje wszędzie tam, gdzie ktoś ma internet. Projektanci nie sięgają już po lokalną scenę, tylko po wspólne wspomnienie MySpace, zdjęć z kamerki i spranych koszulek zespołów.

Obok tego jest wiele małych labeli, które obsługują emo, Gothic i Grunge razem. Sprzedają prawie wyłącznie online, pracują w małych nakładach i szybko reagują na to, co pojawia się na TikToku albo w teledyskach. Projektant jest często jednocześnie fotografem, modelem i prowadzącym sklep.

Marki i projektanci to dwie strony tej samej historii. Dla najwyższej warstwy outfitu u nowych obowiązuje ta sama zasada co u starych: kurtka o jasnej formie bije każde logo.

Dlatego dzisiejsi projektanci emo często myślą w setach. Kurtka i spodnie z jednego odlewu, ciemne kolory, pasy i kieszenie, które nie są tylko dekoracją. To logika Tripp, tylko przedłużona w górę.

Z nowymi projektantami przyszedł też nowy język dla sceny. Wielu, którzy dziś tak wyglądają, nie nazwałoby się już emo.

Dziś na emo mówi się najczęściej po prostu emo, często z dodatkiem: emo revival, emo Gen Z albo alt. Kto nosi ten look online, bywa nazywany e-girl albo e-boy. Pojęcie scene oznacza barwniejszy wariant z końca lat 2000. Wielu mówi po prostu alt fashion, gdy mają na myśli emo, Gothic i Grunge razem.

Określenia się zmieniły, kod prawie nie. Ciemne włosy, wąskie albo szerokie spodnie z hardware'em, koszulki zespołów, eyeliner, łańcuch przy pasku. Nowe jest przede wszystkim to, jak otwarcie się miesza. Dzisiejszy outfit emo może zawierać torby Techwear, denim Y2K albo biżuterię Gothic, nie tracąc swojego pochodzenia.

Cykle imprez jak Emo Nite, które od połowy lat 2010 odbywają się w wielu miastach, pokazały, że stare pokolenie nigdy do końca nie odłożyło swojego looku. A nowe pokolenie nosi go, nie przeżywszy samemu lat galerii handlowych. Dla projektantów znaczy to: projektują jednocześnie dla wspomnienia i dla ciekawości.

Jakkolwiek to nazwać: look wciąż podąża za zasadami, które ustawili projektanci od Westwood po Wentza. Te zasady możesz zastosować bezpośrednio.

Z całej historii projektantów da się wyciągnąć kilka jasnych zasad. Po pierwsze: jedno miejsce niesie outfit. U Tripp były to spodnie, u McQueena szal, u Wentza bluza. Po drugie: zniszczone jest dozwolone, jeśli wygląda na zamierzone. Po trzecie: czerń jest bazą, kolor przychodzi w małych dawkach.

Po czwarte: mieszaj poziomy. Jedna część z projektanckim ambicjami, reszta prosta. Tak emo kids robili zawsze, z dobrym paskiem i koszulką ze stolika z merchem. Kompletny look z jednego źródła wygląda jak katalog, nie jak człowiek.

Najczęstszy błąd przy odtwarzaniu to za dużo naraz. Kto nosi wszystkie odniesienia jednocześnie, nie wygląda na projektanckiego, tylko jak ze sklepu z przebraniami. Poniższe błędy widzimy najczęściej.

Kto unika tych błędów, nie potrzebuje projektanckiego budżetu. Charakter pisma tkwi w kroju, w rozłożeniu ciężaru i w jednym jasnym detalu.

Prawie wszyscy projektanci emo zaczynali od małego. Westwood od sklepu, Wentz i Sykes od merchu, Trashy Clothing od Instagrama. Wejście w modę sceny do dziś rzadko prowadzi przez wielką szkołę mody, częściej przez własne części, które inni chcą mieć.

Klasyczna droga: przerabiać części z lumpeksu, drukować koszulki, przyszywać naszywki, pokazywać efekty online. Kto chce nauczyć się kroju i materiału, znajdzie kursy w szkołach mody i w domach kultury. Ważniejsza od certyfikatu jest jednak bliskość sceny: koncerty, fora, ludzie, którzy naprawdę noszą ten look.

Kto poważnie zajmuje się designem emo, powinien znać historię, przez którą tu przeszliśmy. Nie po to, żeby ją kopiować, tylko żeby wiedzieć, które detale mają znaczenie. Pas przy spodniach nigdy nie jest tylko pasem.

Dla własnego looku obowiązuje to samo co dla własnego labelu: zacznij od jednej części, która nadaje kierunek, i buduj resztę wokół. Washed tee i twarda kamizelka wystarczą jako baza.

Na koniec pytania, które o projektantów emo pojawiają się najczęściej, odpowiedziane krótko i wprost, bez objazdu przez całą historię.

Nazwiska się zmieniają, formy zostają. Kto wie, skąd pochodzi detal, nosi go spokojniej i umie go użyć celowo.