Emo Fashion Designers: wie de emo-look echt heeft ontworpen

Een shirt met veiligheidsspelden uit Londen, een broek met banden uit New York, een sjaal met doodskoppen van de catwalk in Parijs. Daarbij een bassist uit Chicago die 's nachts hoodies ontwerpt. Wie in de jaren 2000 voor een emo-concert in de rij stond, droeg beslissingen van mensen wier namen bijna niemand kende. De look leek uit het niets te komen, uit je eigen kamer. Hij had wel bedenkers, en die zaten op heel verschillende plekken.

Emo Fashion Designers zijn de mensen die de vormen van de emo-look hebben bepaald: punkontwerpers als Vivienne Westwood, scene-labels als Tripp NYC, muzikanten met eigen merken als Pete Wentz en Oli Sykes, daarbij runway-namen als Raf Simons en Alexander McQueen. Hoe de look als geheel werkt, staat in onze emo-gids. Hier gaat het om de koppen erachter.

Voordat we de namen doornemen, een onderscheid dat de rest van dit artikel draagt: een merk verkoopt kleding, een ontwerper beslist over vorm, snit en detail. Bij emo vallen beide rollen vaak samen, soms liggen ze continenten uit elkaar.

Emo was nooit een designertrend die van boven kwam. De scene ontstond midden in de jaren 80 in Washington, D.C., in kleine hardcoreclubs, en de eerste outfits waren simpel: bandshirt, jeans, afgetrapte sneakers. Niemand presenteerde daar een collectie. De look groeide uit wat in de tweedehandswinkel hing en wat met stift en naald te veranderen was.

Toch zijn er ontwerpers zonder wie de latere emo-look anders zou zijn. De punkontwerpers van de jaren 70 hadden de taal vastgelegd: veiligheidsspelden, banden, ruit, bewust kapotte randen. Scene-labels in New York en Los Angeles hebben die taal in de jaren 90 en 2000 in draagbare stukken gegoten. En vanaf begin jaren 2000 keken runway-ontwerpers in Parijs en Antwerpen precies naar deze jeugdcultuur.

Het resultaat is een look met veel vaders en moeders. De regel: wie emo-ontwerpers zoekt, zoekt geen gezicht, maar een keten van beslissingen. Het smalle silhouet kwam van de ene kant, de hardware van de andere, de grafiek van de merchtafel. We gaan deze keten schakel voor schakel door.

Drie bronnen, een look. Om de namen later te laten kloppen, is eerst een helder beeld nuttig van wat emo-style eigenlijk is en waaraan je het herkent.

Emo-style is een donkere, nauwe, persoonlijke look uit de punk- en hardcorescene. Typisch zijn smalle broeken of wijde broeken met hardware, nauwe bandshirts, hoodies, studgordels, platte sneakers, zwartgeverfd haar met lange pony en donkere eyeliner. De stukken zijn zelden duur. Ze zien gedragen uit, vaak zelf veranderd.

Wat emo van goth scheidt, is de houding. Goth is dramatisch en romantisch, emo is direct en kwetsbaar. Wat emo van punk scheidt, is de nabijheid: punk richt zich tegen de wereld, emo spreekt over wat binnen gebeurt. Die houding vertaalt zich in kleding die dicht op het lichaam zit en weinig uitlegt.

Voor ontwerpers is precies dat het moeilijke. Een look die van echtheid leeft, laat zich moeilijk ontwerpen. De ontwerpers die emo hebben bepaald, hebben daarom zelden iets uitgevonden. Ze hebben opgepakt wat op straat al bestond, en het preciezer, duurzamer of zichtbaarder gemaakt.

Voordat het om afzonderlijke ontwerpers gaat, nog een vraag die veel mensen eerst stellen: wat betekent het woord emo eigenlijk, en waar komt het vandaan?

Emo is de korte vorm van emotional, preciezer van Emotional Hardcore of Emocore. In het Nederlands heet het dus simpelweg emotioneel. De term beschreef oorspronkelijk geen mode, maar muziek: hardcore punk waarin de teksten persoonlijk werden en de stem mocht breken. Bands als Rites of Spring gelden als startpunt.

Pas eind jaren 90 en vooral in de jaren 2000 werd emo een modeaanduiding. Met bands die in grote zalen speelden, kwam een herkenbare look, en met de look kwamen winkels, labels en uiteindelijk ontwerpers die hem bedienden. Veel muzikanten uit de scene mochten het woord nooit. Zij vonden dat het van een gevoel een hokje maakte.

Voor de mode is deze geschiedenis belangrijk. Emo-kleding was eerst podiumkleding van mensen zonder budget. Wat zij droegen, werd gekopieerd, en pas daarna ontwierp iemand stukken die er precies zo uit moesten zien. De volgorde was: podium, publiek, label.

De jaren 90 laten de look zien voor elke ontwerper. De volgende stap leidt terug naar de jaren 70, naar de persoon die punk pas als mode denkbaar heeft gemaakt.

Vivienne Westwood heeft emo niet ontworpen. Maar zonder haar zou de taal die emo spreekt niet bestaan. In de jaren 70 had ze met Malcolm McLaren in Londen een winkel aan de King's Road die het ontmoetingspunt van de punkscene werd. Daar hingen bondagebroeken met banden tussen de benen, shirts met veiligheidsspelden, gescheurde truien en ruitstoffen.

Deze details duiken 30 jaar later bijna een op een op in de emo-look. De banden aan de broek, de speld in het shirt, de ruit aan de rok, de bewust open naad. Emo heeft Westwoods punk zachter gemaakt, nauwer geknipt en donkerder gekleurd. De grammatica bleef dezelfde.

Belangrijk is ook haar houding: kleding als uitspraak, niet als decoratie. Een stuk moet iets zeggen, ook als het kapot lijkt. Dat is de kern die emo heeft overgenomen. Een gescheurd shirt is daar geen ongeluk, maar een beslissing.

Wie deze lijn vandaag wil dragen, heeft geen archiefstukken nodig. Veiligheidsspeld, zichtbare naad, verwassen stof: dat zijn de signalen die van Londen via de mall tot in fits van nu reiken.

Westwood gaf de taal. De mensen die emo in de jaren 2000 daadwerkelijk hebben aangekleed, stonden echter vaak zelf op het podium.

De meest bepalende emo-ontwerpers van de jaren 2000 waren geen afgestudeerden van een modeschool, maar muzikanten. Zij wisten wat hun publiek wilde dragen, omdat ze het zelf droegen. Hun labels ontstonden uit de merchandise en groeiden, omdat fans niet alleen de band wilden, maar de hele look.

Pete Wentz, bassist van Fall Out Boy, richtte midden in de jaren 2000 Clandestine Industries op. De hoodies met vleermuismotieven en de nauwe snitten raakten precies wat de scene toch al droeg. Oli Sykes, zanger van Bring Me the Horizon, startte in Sheffield Drop Dead met felle, cartoonachtige prints en donkere humor. Travis Barker richtte in 1999 Famous Stars and Straps op, Mark Hoppus en Tom DeLonge in 2001 Atticus.

De regel bij muzikantenlabels: geloofwaardigheid voor snit. Deze stukken waren niet altijd goed afgewerkt, maar ze kwamen van binnenuit. Een hoodie van de band die je live hebt gezien, droeg een verhaal dat geen mallmerk kon leveren.

Wat deze muzikanten gemeen hadden: ze ontwierpen voor mensen die ze elke avond voor het podium zagen. De tweede grote bron van de look was daarentegen een label dat al lang voor emo in New York de broek opnieuw had bedacht.

Tripp NYC werd in de jaren 80 in New York opgericht door Daang Goodman en voorzag eerst de punk- en clubscene. Vanaf de late jaren 90 hing het label in elke mallfiliaal die alternatieve kleding verkocht. De broeken met banden, D-ringen, kettingen en zippers aan de benen werden het symbool van een hele generatie.

Goodmans aanpak was simpel: de broek draagt de outfit. Boven is een zwart shirt genoeg, als er beneden hardware hangt. Die weging heeft emo overgenomen. Veel emo-looks van de jaren 2000 bestonden uit een eenvoudig bovenstuk en een broek die al het andere doet.

Tegelijk laat Tripp zien hoe emo met punk omging. De bondagebanden komen uit Westwoods winkel, maar Tripp maakte ze betaalbaar, alledaags en in veel wijdtes beschikbaar. De broek met banden werd van het statement van een kleine scene de standaard in de mall.

Vandaag werkt het principe met wijdere snitten net zo goed. Studs aan de band, kettingen aan de zijkant, verwassen denim met houding: de broek blijft de plek waar een emo-fit zijn hardheid krijgt.

New York en Londen leverden broek en grammatica. Een derde, vaak overgeslagen bron voor donkere jeugdmode lag in dezelfde tijd aan de andere kant van de wereld, in Tokyo.

In Tokyo ontstond in de jaren 90 een generatie ontwerpers die punk en rock serieuzer nam dan de meeste westerse labels. Jun Takahashi richtte Undercover op en werkte met het motto om lawaai te maken in plaats van kleding. Zijn collecties mengden punkcitaten, patchwork en duistere grafiek tot stukken die eerder kunst dan merch waren.

Takahiro Miyashita bepaalde met Number (N)ine een Grunge-look die openlijk naar Kurt Cobain verwees: verwassen flanel, smalle jeans, kapotte tricotstukken. Nobuhiko Kitamura bracht met Hysteric Glamour sinds de jaren 80 rock- en pin-upgrafiek op shirts en jassen, luid en bewust trashy.

Voor de emo-look in Duitsland waren deze namen zelden direct zichtbaar, hun stukken waren duur en moeilijk te krijgen. Hun invloed liep via omwegen: via magazines, via muzikanten die ze droegen, via labels die hun ideeën goedkoper nabouwden. Het nauwe, donkere, licht vernielde silhouet van de jaren 2000 heeft hier een van zijn oorsprongen.

Wat we van de Japanse ontwerpers meenemen: kapot betekent niet goedkoop. Een uitgewassen, doelgericht beschadigd stuk kan preciezer gemaakt zijn dan een nieuw. Precies die precisie in het schijnbaar toevallige maakt vandaag een goede emo-fit.

De Japanse labels lieten zien dat punk op hoog niveau werkt. Begin jaren 2000 volgde de Europese catwalk en pakte de jeugdcultuur openlijk op.

Raf Simons heeft zijn carrière op jeugdculturen gebouwd. De Belgische ontwerper toonde al in de jaren 90 smalle silhouetten, citaten uit schooluniformen en bandreferenties. Zijn collectie Riot Riot Riot uit 2001 met layering, patches en capuchons geldt als het moment waarop subcultuur en runway definitief samenkwamen.

Alexander McQueen leverde het accessoire dat de scene- en emo-jaren als bijna geen ander heeft bepaald: de sjaal met doodskop. Vanaf 2003 duikt hij overal op, op concerten, in videoclips, in de fotoreeksen van de vroege social-mediajaren. Hij bestond in talloze kleuren, en in nog meer kopieën daarvan.

Deze twee namen laten zien hoe invloed in beide richtingen liep. De ontwerpers keken naar de scene, de scene haalde haar details terug. Bijna geen emo-kid droeg echte runway-stukken, maar de snit van de hoodie, het patroon aan de hals en de lengte van de broek kwamen uiteindelijk vaak daarvandaan.

Een accessoire als de sjaal laat zien hoe klein de hefboom kan zijn. Vaak is een enkel stuk aan de hals, aan de gordel of aan de tas genoeg om een eenvoudige outfit duidelijk in de emo-hoek te ankeren.

Dat geldt vandaag meer dan ooit. Kruis aan de gordel, hanger aan de broek, een detail met houding: de kleine stukken dragen het handschrift dat eerder de sjaal droeg.

Tot nu toe vielen vooral mannennamen. Toch hebben ontwerpsters de donkere, rebelse look minstens even sterk bepaald, en veel mensen vragen gericht naar hen.

Tot de beroemdste ontwerpsters van de modegeschiedenis horen Coco Chanel, Vivienne Westwood, Rei Kawakubo, Miuccia Prada en Ann Demeulemeester. Voor donkere, subculturele mode zijn drie van hen bijzonder belangrijk: Westwood voor punk, Kawakubo voor deconstructie en Demeulemeester voor een duistere, poëtische strengheid.

Rei Kawakubo heeft met Comme des Garçons begin jaren 80 in Parijs zwart, gaten en asymmetrische snitten op de catwalk gebracht. Critici noemden dat toen armoedigheid. Voor alle latere donkere subculturen werd het de toestemming om kapot en zwart als stijl te begrijpen. Ann Demeulemeester uit Antwerpen combineerde lange, zwarte lagen met rock- en poëziereferenties.

In de emo-look duiken deze ontwerpsters niet als label op, maar als principe. Het zwart zonder excuus, het denken in lagen, de bewust onafgewerkte rand. Daarbij komen de vele vrouwen uit de scene zelf, die hun outfits uit tweedehandsstukken, netpanty's en bandshirts hebben samengesteld en daarmee de vrouwelijke emo-look pas hebben gedefinieerd.

Wie de look per categorie wil opbouwen in plaats van per naam, start het beste bij de vier bouwstenen die bij alle ontwerpers terugkomen: bovenstuk, broek, jas en kleine stukken.

De grote namen staan vast. Interessant is wie het emo-handschrift vandaag doorschrijft, want de generatie die in de jaren 2000 jong was, ontwerpt inmiddels zelf.

Een goed voorbeeld is Trashy Clothing uit Amman, opgericht door Shukri Lawrence en Omar Braika. Het label werkt met ironie, politiek en internetcultuur. In 2019 wijdde het een collectie aan de emo-kids van de jaren 2000: mensen die online hun muziek, hun foto's en hun scene vonden, ver weg van de malls in Californië.

Dat laat zien hoe emo-design is verschoven. Eerder kwam de look uit weinig steden en werd hij via winkels verdeeld. Vandaag ontstaat hij overal waar iemand internet heeft. Ontwerpers pakken niet meer een lokale scene op, maar een gezamenlijke herinnering aan MySpace, webcamfoto's en verwassen bandshirts.

Daarnaast zijn er veel kleine labels die emo, goth en grunge samen bedienen. Ze verkopen bijna alleen online, werken met kleine oplages en reageren snel op wat op TikTok of in videoclips opduikt. De ontwerper is vaak tegelijk fotograaf, model en shopbeheerder.

Merken en ontwerpers zijn twee kanten van hetzelfde verhaal. Voor de bovenste laag van de outfit geldt bij de nieuwe dezelfde regel als bij de oude: een jas met duidelijke vorm verslaat elk logo.

Daarom denken de emo-ontwerpers van nu vaak in sets. Jas en broek uit een stuk, donkere kleuren, banden en zakken die niet alleen decoratie zijn. Dat is Tripp-logica, alleen naar boven verlengd.

Met de nieuwe ontwerpers kwam ook een nieuwe taal voor de scene. Veel mensen die er vandaag zo uitzien, zouden zichzelf niet meer emo noemen.

Vandaag noemt men emo's meestal simpelweg emo, vaak met toevoeging: Emo Revival, Gen-Z-emo of alt. Wie de look online draagt, wordt vaak e-girl of e-boy genoemd. De term scene staat voor de bontere variant van de late jaren 2000. Veel mensen zeggen simpelweg alt fashion, als ze emo, goth en grunge samen bedoelen.

De aanduidingen zijn veranderd, de code bijna niet. Donker haar, nauwe of wijde broeken met hardware, bandshirts, eyeliner, ketting aan de gordel. Nieuw is vooral hoe open er gemengd wordt. Een emo-outfit van nu mag Techwear-tassen, Y2K-denim of gothsieraden bevatten, zonder zijn herkomst te verliezen.

Partyreeksen als Emo Nite, die sinds midden jaren 2010 in veel steden lopen, hebben laten zien dat de oude generatie haar look nooit helemaal heeft afgelegd. En de nieuwe generatie draagt hem, zonder de malljaren zelf te hebben meegemaakt. Voor ontwerpers betekent dat: ze ontwerpen voor herinnering en voor nieuwsgierigheid tegelijk.

Hoe je het ook noemt: de look volgt nog steeds de regels die de ontwerpers van Westwood tot Wentz hebben gezet. Die regels kun je direct toepassen.

Uit de hele ontwerpersgeschiedenis zijn weinig, duidelijke regels te trekken. Ten eerste: een plek draagt de outfit. Bij Tripp was het de broek, bij McQueen de sjaal, bij Wentz de hoodie. Ten tweede: kapot is toegestaan, als het gewild lijkt. Ten derde: zwart is de basis, kleur komt in kleine doses.

Ten vierde: meng niveaus. Een stuk met designeraanspraak, de rest eenvoudig. Zo hebben de emo-kids het altijd gedaan, met een goede gordel en een shirt van de merchtafel. Een complete look uit een enkele bron werkt als een catalogus, niet als een persoon.

De meest voorkomende fout bij het nabouwen is te veel in een keer. Wie alle referenties tegelijk draagt, ziet niet designer uit, maar als een verkleedwinkel. De volgende fouten zien we het vaakst.

Wie deze fouten vermijdt, heeft geen designerbudget nodig. Het handschrift zit in de snit, in de weging en in een enkel duidelijk detail.

Bijna alle emo-ontwerpers zijn klein begonnen. Westwood met een winkel, Wentz en Sykes met merch, Trashy Clothing met Instagram. De instap in de scene-mode loopt tot vandaag zelden via de grote modeschool, maar via eigen stukken die anderen willen hebben.

De klassieke weg: tweedehandsstukken veranderen, shirts bedrukken, patches naaien, resultaten online laten zien. Wie snit en materiaal wil leren, vindt cursussen aan modescholen en volksuniversiteiten. Belangrijker dan het certificaat is echter de nabijheid tot de scene: concerten, forums, de mensen die de look echt dragen.

Wie zich serieus met emo-design bezighoudt, moet de geschiedenis kennen die we hier hebben doorgenomen. Niet om ze te kopiëren, maar om te weten welke details een betekenis hebben. Een band aan de broek is nooit alleen een band.

Voor je eigen look geldt hetzelfde als voor je eigen label: start met een stuk dat de richting geeft, en bouw de rest eromheen. Een washed tee en een hard vest zijn genoeg als basis.

Tot slot de vragen die over emo-ontwerpers het vaakst opduiken, kort en direct beantwoord, zonder omweg via de hele geschiedenis.

De namen wisselen, de vormen blijven. Wie weet waar een detail vandaan komt, draagt het met meer rust en kan het gericht inzetten.