Emo Fashion Designers: 에모 룩을 정말 설계한 사람

런던에서 온 안전핀 셔츠, 뉴욕에서 온 스트랩 팬츠, 파리 런웨이에서 온 스컬 스카프. 거기에 밤에 후디를 디자인하는 시카고 출신 베이시스트까지. 2000년대에 에모 공연장 줄에 서 있던 사람은 거의 아무도 이름을 모를 사람들의 결정을 입고 있었다. 그 룩은 아무것도 없는 데서, 자기 방에서 나온 것처럼 보였다. 하지만 만든 사람은 있었고, 그들은 매우 다른 장소에 있었다.

Emo Fashion Designers는 에모 룩의 형태를 만들어낸 사람들이다. Vivienne Westwood 같은 Punk 디자이너, Tripp NYC 같은 장면 레이블, Pete Wentz와 Oli Sykes 같은 자기 브랜드를 가진 뮤지션, 그리고 Raf Simons와 Alexander McQueen 같은 런웨이 이름들. 룩 전체가 어떻게 작동하는지는 우리 에모 가이드에 있다. 여기서는 그 뒤에 있는 사람들을 다룬다.

이름들을 하나씩 보기 전에, 나머지 전체를 지탱하는 구분 하나. 브랜드는 옷을 팔고, 디자이너는 형태와 컷, 디테일을 결정한다. 에모에서는 두 역할이 겹치는 일이 흔하고, 어떤 때는 대륙 하나를 사이에 둔다.

에모는 위에서 내려온 디자이너 트렌드가 아니었다. 장면은 80년대 중반 Washington, D.C.의 작은 하드코어 클럽에서 생겼고, 초기 옷차림은 단정했다. 밴드 셔츠, 진, 닳은 스니커. 그곳에서 컬렉션을 발표한 사람은 없었다. 룩은 중고 샵에 걸려 있던 것과, 매직과 바늘로 바꿀 수 있는 것에서 자랐다.

그래도 이들이 없었다면 나중의 에모 룩이 달랐을 디자이너가 있다. 70년대 Punk 디자이너가 언어를 정해 뒀다. 안전핀, 스트랩, 체크, 일부러 부순 끝단. 뉴욕과 로스앤젤레스의 장면 레이블이 90년대와 2000년대에 그 언어를 입을 수 있는 아이템으로 부었다. 그리고 2000년대 초부터 파리와 안트워프의 런웨이 디자이너가 바로 그 청년 문화를 보고 있었다.

결과는 아버지와 어머니가 많은 룩이다. 원칙은 이렇다. 에모 디자이너를 찾는 사람은 얼굴을 찾는 게 아니라 결정의 사슬을 찾는 것이다. 새림한 실루엣은 한쪽에서, 하드웨어는 다른 쪽에서, 그래픽은 머치 테이블에서 왔다. 이 사슬을 한 고리씩 본다.

세 원천, 한 룩. 이름들이 나중에 의미를 가지도록, 먼저 에모 스타일이 대체 무엇으로 이루어지고 어떻게 알아볼 수 있는지 분명하게 봐 둔다.

에모 스타일은 Punk과 하드코어 장면에서 나온 어둡고 슬림하고 개인적인 룩이다. 전형은 슬림한 바지 또는 하드웨어가 달린 와이드 바지, 타이트한 밴드 셔츠, 후디, 스터드 벨트, 평발 스니커, 검게 물든 긴 앞머리, 진한 아이라이너. 아이템은 비싼 경우가 드물다. 입어왔던 티가 나고, 직접 고친 경우도 많다.

에모와 Gothic을 가르는 것은 태도다. Gothic은 연극적이고 낭만적이고, 에모는 직선적이고 상처에 열려 있다. 에모와 Punk을 가르는 것은 거리다. Punk은 세상을 향해 부딪치고, 에모는 속에서 일어나는 일을 말한다. 그 태도가 몸에 가깝고 설명을 적게 하는 옷으로 번역된다.

디자이너에겐 바로 그게 어렵다. 진짜에서 사는 룩은 설계하기 어렵다. 그렇기에 에모를 만든 디자이너들은 무언가를 발명한 일이 드물다. 거리에 이미 있던 것을 집어서 더 정확하게, 더 오래 가게, 더 눈에 보이게 만들었다.

개별 디자이너 이야기 전에, 많은 사람이 제일 먼저 물어보는 질문 하나. 에모라는 말은 대체 무엇을 뜻하고 어디에서 왔는가.

에모는 emotional의 줄인 말, 정확하게는 Emotional Hardcore 또는 Emocore의 줄인 말이다. 한국어로는 그냥 감정적이라는 뜻이 된다. 이 말은 원래 패션이 아니라 음악을 가리켰다. 가사가 개인적이 되고 목소리가 깨지는 것이 허용되는 하드코어 Punk이다. Rites of Spring 같은 밴드가 시작점으로 여겨진다.

에모가 패션 용어가 된 것은 90년대 말, 그리고 무엇보다 2000년대다. 대형 공연장에서 연주하는 밴드와 함께 알아볼 수 있는 룩이 생겼고, 룩과 함께 가게와 레이블, 마지막에는 그것을 채워주는 디자이너가 생겼다. 장면의 많은 뮤지션은 이 말을 한번도 좋아하지 않았다. 감정을 서랍에 넣는 짓이라고 여겼다.

패션에겐 이 역사가 중요하다. 에모 옷은 처음엔 예산 없는 사람들의 무대 의상이었다. 그들이 입은 것이 복사되고, 그 다음에서야 누군가가 바로 그렇게 보여야 하는 아이템을 설계했다. 순서는 이렇다. 무대, 관객, 레이블.

90년대는 어느 디자이너보다도 이전의 룩을 보여준다. 다음 걸음은 70년대로 돌아간다. Punk을 아예 패션으로 생각할 수 있게 만든 사람에게로.

Vivienne Westwood는 에모를 설계하지 않았다. 하지만 그가 없었다면 에모가 말하는 언어는 없을 것이다. 70년대에 그는 Malcolm McLaren과 함께 런던 King's Road에서 가게를 운영했고, 그것은 Punk 장면의 집합소가 됐다. 그곳엔 다리 사이에 스트랩이 여진 본니지 바지, 안전핀을 달은 셔츠, 찢어진 스웨터, 체크 원단이 걸려 있었다.

이 디테일들은 30년 뒤 에모 룩에 거의 그대로 다시 나타난다. 바지의 스트랩, 셔츠의 안전핀, 스커트의 체크, 일부러 벌린 바늘자리. 에모는 Westwood의 Punk을 더 부드럽게, 더 슬림하게 자르고 더 어둡게 물들였다. 문법은 그대로였다.

그의 태도도 중요하다. 옷은 장식이 아니라 진술이다. 아이템은 부서진 듯 보여도 무언가를 말해야 한다. 그것이 에모가 받은 핵이다. 찢어진 셔츠는 거기에서 사고가 아니라 결정이다.

이 계통을 지금 입으려면 아카이브 피스는 필요하지 않다. 안전핀, 보이는 바늘자리, 발된 원단. 이것이 런던에서 몰을 거쳐 지금의 Frame에까지 도달하는 시그널이다.

Westwood가 언어를 정했다. 2000년대에 에모를 사실상 입힌 사람들은 하지만 자신도 무대에 서 있는 일이 많았다.

2000년대에 가장 영향이 컸던 에모 디자이너들은 패션 학교 졸업생이 아니라 뮤지션이었다. 관객이 무엇을 입고 싶은지 알았다. 자신이 그것을 입었기 때문이다. 그들의 레이블은 머치 사업에서 생겼고, 팬들이 밴드만이 아니라 룩 전체를 원했기에 자랐다.

Fall Out Boy의 베이시스트 Pete Wentz는 2000년대 중반 Clandestine Industries를 세웠다. 박쥐 모티프를 올린 후디와 슬림한 컷은 장면이 이미 입고 있던 것을 정확하게 맞혔다. Bring Me the Horizon의 보컬 Oli Sykes는 Sheffield에서 Drop Dead를 시작해 진한 만화풍 프린트와 어두운 유머를 넣었다. Travis Barker는 1999년 Famous Stars and Straps를, Mark Hoppus와 Tom DeLonge는 2001년 Atticus를 세웠다.

뮤지션 레이블의 원칙은 컷보다 신뢰다. 이 아이템들은 항상 바느질이 좋진 않았지만 속에서 나왔다. 라이브로 봤던 밴드의 후디는 어느 몰 브랜드도 주지 못하는 이야기를 품었다.

이 뮤지션들의 공통점. 그들은 매일 밤 무대 앞에서 보는 사람들을 위해 설계했다. 룩의 두 번째 큰 원천은 달리, 에모보다 훨씬 전에 뉴욕에서 바지를 다시 생각한 레이블이다.

Tripp NYC는 80년대 뉴욕에서 Daang Goodman이 세워 처음엔 Punk과 클럽 장면에 공급했다. 90년대 말부터는 얼터너티브 옷을 다루는 몰 매장마다 이 레이블이 걸려 있었다. 스트랩, D링, 체인, 다리에 지퍼가 달린 바지는 한 세대 전체의 상징이 됐다.

Goodman의 발상은 단순했다. 바지가 옷차림을 지탱한다. 아래에 하드웨어가 매달려 있으면 위는 검은 셔츠 하나로 충분하다. 이 무게 배분을 에모가 가지고 왔다. 2000년대 에모 룩의 많은 사례는 단정한 상의와 나머지 전부를 해내는 바지로 이루어졌다.

동시에 Tripp는 에모가 Punk을 어떻게 다뤘는지 보여준다. 본니지 스트랩은 Westwood의 가게에서 왔지만, Tripp는 그것을 감당할 수 있게, 일상에서 쓸 수 있게, 여러 폭으로 만들었다. 스트랩 바지는 작은 장면의 진술에서 몰의 표준이 됐다.

지금은 더 넓은 컷에서도 원리가 같다. 허리의 스터드, 옆의 체인, 태도를 가진 발된 다닐. 바지는 지금도 에모 Frame이 거친 기운을 얻는 지점이다.

뉴욕과 런던이 바지와 문법을 내놓았다. 어두운 청년 패션의, 자주 놓치는 세 번째 원천은 같은 시기 지구 끝 반대편, Tokyo에 있었다.

Tokyo에서 90년대에 서양 레이블 대부분보다 Punk과 록을 진지하게 다룬 디자이너 세대가 생겼다. Jun Takahashi는 Undercover를 세우고 옷 대신 소음을 만들자는 모토로 움직였다. 그의 컬렉션은 Punk 인용, 패치워크, 어두운 그래픽을 섞어 머치보다는 아트에 가까운 아이템이 됐다.

Takahiro Miyashita는 Number (N)ine으로 Kurt Cobain을 드러내게 참조하는 Grunge 룩을 만들었다. 발된 플란넬, 슬림한 진, 부서진 니트. Nobuhiko Kitamura는 Hysteric Glamour로 80년대부터 록과 핀업 그래픽을 셔츠와 재킷에 올렸다. 요란하고 일부러 트래시하게.

독일의 에모 룩에서는 이 이름들이 직접 보이는 일이 드물었다. 아이템은 비싸고 구하기 어려웠다. 여향은 우회로 도달했다. 잡지를 통해, 그것을 입은 뮤지션을 통해, 그들의 아이디어를 싸게 다시 만든 레이블을 통해. 2000년대의 슬림하고 어둡고 살짝 부서진 실루엣은 여기에 원천 하나를 둔다.

일본 디자이너에게 배우는 것. 부서진 것은 값싸다는 뜻이 아니다. 바래고 정해진 자리에 일부러 손상을 준 아이템은 새 아이템보다 더 정확하게 만들어질 수 있다. 우연해 보이는 것 안의 그 정확함이 지금 좋은 에모 Frame을 만든다.

일본 레이블은 Punk이 높은 수준에서도 작동한다는 것을 보여줬다. 2000년대 초 유럽 런웨이가 뒤따라 청년 문화를 드러내게 가지고 왔다.

Raf Simons는 청년 문화 위에 경력을 세웠다. 이 벨기에 디자이너는 90년대에 이미 슬림한 실루엣, 교복 인용, 밴드 참조를 보여줬다. 레이어링과 패치, 후드를 사용한 2001년 컬렉션 Riot Riot Riot은 서버컬처와 런웨이가 결정적으로 합친 순간으로 여겨진다.

Alexander McQueen은 scene과 에모 시절을 다른 어느 것보다도 강하게 만든 소품을 내놓았다. 스컬 스카프다. 2003년부터 공연장에서, 뮤직비디오에서, 초기 소셜 미디어 사진에서 어디에서나 나타났다. 셀 수 없는 컬러가 있었고, 그보다 더 많은 복사품이 있었다.

이 두 이름은 영향이 양방향으로 흘렀다는 것을 보여준다. 디자이너가 장면을 보았고, 장면은 자기 디테일을 다시 가져갔다. 진짜 런웨이 아이템을 입은 에모 키드는 거의 없었지만, 후디의 컷, 목덜미의 패턴, 바지의 길이는 결국 그곳에서 오는 일이 많았다.

스카프 같은 소품은 레버가 얼마나 작을 수 있는지 보여준다. 목덜미, 벨트, 가방에 아이템 하나만으로 단정한 옷차림을 분명하게 에모 쪽에 고정하는 일이 많다.

그것은 지금 더욱 맞는 말이다. 벨트의 크로스, 바지의 펜던트, 태도를 가진 디테일. 작은 아이템이 예전에 스카프가 지니던 필체를 지닌다.

지금까지는 남자 이름이 위주였다. 하지만 여성 디자이너들도 어둡고 반항적인 룩을 적어도 그만큼 만들어왔고, 많은 사람이 그들을 직접 물어본다.

패션사에서 가장 유명한 여성 디자이너로는 Coco Chanel, Vivienne Westwood, Rei Kawakubo, Miuccia Prada, Ann Demeulemeester가 있다. 어둡고 서버컬처적인 패션에겐 그중 세 사람이 유독 중요하다. Punk의 Westwood, 해체의 Kawakubo, 그리고 어둡고 시적인 엄격함의 Demeulemeester.

Rei Kawakubo는 Comme des Garçons으로 80년대 초 파리에서 검정, 구멍, 반대칭 컷을 런웨이에 올렸다. 평론가들은 당시 그것을 가난함이라 불렀다. 이후 모든 어두운 서버컬처에겐 그것이 부서지거나 검은 것을 스타일로 이해하는 허가가 됐다. 안트워프 장면의 Ann Demeulemeester는 길고 검은 레이어를 록과 시의 참조와 엮었다.

에모 룩에서는 이 여성 디자이너들이 레이블로 나타나지 않고 원칙으로 나타난다. 변명 없는 검정, 레이어로 생각하는 법, 일부러 마무리하지 않은 끝단. 거기에 장면 자신의 많은 여성들이 더해진다. 그들은 중고 아이템, 메시 스타킹, 밴드 셔츠로 옷차림을 짜고 여성 에모 룩을 처음 정의했다.

이름이 아니라 카테고리로 룩을 지으려는 사람은 모든 디자이너에게 다시 나타나는 네 가지 기본 부품에서 시작하는 게 제일 낫다. 상의, 바지, 재킷, 작은 아이템.

큰 이름들은 정해졌다. 재밌는 건 지금 에모의 필체를 이어 쓰는 사람이 누군가다. 2000년대에 어렸던 세대가 이제 직접 디자인한다.

좋은 사례가 Shukri Lawrence와 Omar Braika가 Amman에서 세운 Trashy Clothing이다. 이 레이블은 아이러니, 정치, 인터넷 문화로 작업한다. 2019년엔 2000년대 에모 키드에게 컬렉션을 바쳤다. 자기 음악과 사진, 장면을 캘리포니아의 몰에서 아주 멀리 떨어진 온라인에서 찾은 사람들이다.

이는 에모 디자인이 어떻게 이동했는지 보여준다. 전에는 룩이 몇 도시에서 나와 가게를 통해 분배됐다. 지금은 인터넷이 있는 곳이라면 어디에서나 생긴다. 디자이너는 이제 지역 장면을 집지 않고 MySpace, 웹캠 사진, 발된 밴드 셔츠에 대한 공동의 기억을 집는다.

그 옆에는 Emo, Gothic, Grunge를 한꼭 다루는 작은 레이블이 많다. 거의 온라인으로만 팔고, 작은 수량으로 작업하고, TikTok이나 뮤직비디오에 나타나는 것에 빠르게 반응한다. 디자이너가 동시에 사진작가, 모델, 샵 운영자인 경우도 많다.

브랜드와 디자이너는 같은 이야기의 양면이다. 옷차림의 가장 바깥 계층엔 새 세대에게도 오래된 세대와 같은 원칙이 적용된다. 형태가 분명한 재킷은 어느 로고도 이긴다.

그렇기에 지금의 에모 디자이너는 자주 셋으로 생각한다. 재킷과 바지를 한 단위로, 어두운 색으로, 장식만이 아닌 스트랩과 주머니로. Tripp 논리를 위로 더 연장한 것뿐이다.

새 디자이너와 함께 장면의 새 언어도 왔다. 지금 이렇게 보이는 많은 사람이 스스로를 더 이상 에모라고 부르지 않을 것이다.

지금 에모는 대개 그냥 에모로 부른다. 더하는 말이 붙는 일이 많다. Emo Revival, Gen Z 에모, alt. 룩을 온라인에서 입는 사람은 자주 e-girl 또는 e-boy로 불린다. scene이란 말은 2000년대 후반의 더 화려한 변종을 가리킨다. Emo, Gothic, Grunge를 한꼭 말할 때 단지 alt fashion이라 하는 사람도 많다.

이름은 바뀌었지만 코드는 거의 그대로다. 어두운 머리, 하드웨어가 달린 슬림하거나 넓은 바지, 밴드 셔츠, 아이라이너, 벨트의 체인. 새로운 것은 무엇보다 섞는 방식의 개방성이다. 지금의 에모 옷차림엔 Techwear 가방, Y2K 다닐, Gothic 주어리가 들어가도 출처를 잃지 않는다.

2010년대 중반부터 여러 도시에서 열리는 Emo Nite 같은 파티 시리즈는 오래된 세대가 자기 룩을 완전히 벗은 적이 없다는 것을 보여줬다. 그리고 새 세대는 몰 시절을 직접 겪지 않고도 그것을 입는다. 디자이너에겐 이는 기억과 호기심을 동시에 위해 설계한다는 뜻이다.

무엇이라 부르든, 룩은 지금도 Westwood부터 Wentz까지 디자이너가 정한 원칙을 따른다. 그 원칙은 바로 쓸 수 있다.

이 디자이너 역사 전체에서 적지만 분명한 원칙이 나온다. 첫째, 한 지점이 옷차림을 지탱한다. Tripp엔 바지, McQueen엔 스카프, Wentz엔 후디였다. 둘째, 부서진 것은 일부러 보이면 허용된다. 셋째, 검정이 기반이고 색은 작은 양으로 온다.

넷째, 계층을 섞어라. 디자이너의 의도를 가진 아이템 하나, 나머지는 단정하게. 에모 키드는 항상 그렇게 해왔다. 좋은 벨트 하나와 머치 테이블의 셔츠. 한 원천에서 나온 풀룩은 사람이 아니라 카탈로그처럼 보인다.

다시 지을 때 가장 흔한 오류는 한번에 너무 많은 것이다. 모든 참조를 동시에 입는 사람은 디자이너처럼 보이지 않고 분장 가게처럼 보인다. 다음 오류들을 가장 자주 본다.

이 오류들을 피하는 사람은 디자이너 예산이 필요하지 않다. 필체는 컷과 무게 배분, 그리고 단 하나의 분명한 디테일에 있다.

거의 모든 에모 디자이너는 작게 시작했다. Westwood는 가게로, Wentz와 Sykes는 머치로, Trashy Clothing은 Instagram으로. 장면 패션으로 들어가는 지점은 지금도 큰 패션 학교가 아니라 다른 사람이 갖고 싶어하는 자기 아이템을 거치는 일이 많다.

전형적인 길. 중고 아이템을 고치고, 셔츠를 프린트하고, 패치를 박고, 결과를 온라인에 보여주는 것. 컷과 소재를 배우고 싶다면 패션 학교와 시민 강좌에 과정이 있다. 하지만 자격증보다 중요한 것은 장면에 가깝는 것이다. 공연, 포럼, 룩을 정말 입는 사람들.

에모 디자인을 진지하게 하려면 여기에서 훑은 역사를 알아 둬야 한다. 복사하기 위해서가 아니라 어떤 디테일에 의미가 있는지 알기 위해서다. 바지의 스트랩은 결코 그냥 스트랩이 아니다.

자기 룩에도 자기 레이블과 같은 원칙이 적용된다. 방향을 정하는 아이템 하나로 시작해 나머지를 그 주위에 지으라. washed tee와 단단한 베스트만으로 기반이 된다.

마지리로 에모 디자이너에 대해 가장 자주 나오는 질문들을 역사를 돌지 않고 짧고 직접적으로 답한다.

이름은 바뀌어도 형태는 남는다. 디테일의 출처를 아는 사람은 더 차분하게 그것을 입고 정해진 자리에 쓸 수 있다.