Punk Fashion Icons: Die Ikonen, die den Look erfunden haben

Ein Foto, schwarz-weiß, irgendwo in London 1977. Ein dürrer Junge mit hochgestellten Haaren, Lederjacke, um den Hals eine Kette mit Vorhängeschloss. Kein Stylist hat das gebaut, keine Marke hat dafür bezahlt. Trotzdem kopieren Leute diesen Look seit fast fünfzig Jahren, in Kreuzberg, in Tokio, in jedem Kleinstadt-Jugendzimmer. So funktioniert eine Ikone: Ein Mensch trägt etwas, und danach sieht ein ganzes Genre anders aus.

Punk Fashion Icons sind die Musikerinnen, Musiker und Szenefiguren, deren persönlicher Stil zur Vorlage für die ganze Punk-Mode wurde: von Sid Vicious, Johnny Rotten und den Ramones über Patti Smith, Siouxsie Sioux und Debbie Harry bis zu Pop-Punk-Gesichtern wie Avril Lavigne und heutigen Namen wie Willow. Den Gesamtüberblick über Codes, Teile und Haltung findest du in unserem Punk Fashion Guide. Hier geht es um die Menschen dahinter und darum, welches Teil jede Ikone geprägt hat.

Die Frage nach den berühmtesten Punk-Ikonen hat keine einzige richtige Antwort, aber sie hat ein klares Muster. Fast alle Menschen, die den Look geprägt haben, standen zwischen 1974 und 1979 auf einer Bühne in New York oder London. Sie hatten kein Geld, keine Stylisten und keine Vorlage. Was sie trugen, war improvisiert, und genau deshalb wirkt es bis heute echt.

Danach kamen weitere Generationen dazu: die Härte der 80er, der Pop-Punk der 2000er, die Rückkehr des Genres nach 2020. Jede Welle hat eigene Gesichter hervorgebracht, aber sie alle zitieren die erste Generation. Drei Jahreszahlen markieren den Bogen.

Statt zwanzig Namen einzeln abzuarbeiten, hilft eine Einteilung nach Typen. Fast jede Punk-Ikone passt in einen von fünf Archetypen, und jeder Archetyp steht für eine eigene Art, Kleidung einzusetzen. Wer weiß, welcher Typ ihm liegt, weiß auch, welche Teile er braucht.

Wenn jemand nach männlichen Punk Fashion Icons fragt, fallen fast immer zuerst diese beiden Namen. Johnny Rotten, bürgerlich John Lydon, wurde 1975 angeblich in der Nähe des Ladens SEX entdeckt, weil er ein Pink-Floyd-Shirt trug, auf das er mit Filzstift „I Hate“ geschrieben hatte. Das ist der ganze Punk in einem Kleidungsstück: ein Massenprodukt, persönlich beschädigt, mit einer klaren Haltung.

Rotten trug danach, was Vivienne Westwood und Malcolm McLaren im Laden entwarfen: karierte Bondage-Anzüge mit Riemen zwischen den Beinen, zerschnittene Musselin-Shirts, löchrige Mohair-Pullover. Dazu die orange gefärbten, stachelig hochgestellten Haare. Sein Look war bewusst unbequem, für ihn und für die Leute, die ihn ansahen.

Sid Vicious, ab 1977 Bassist der Sex Pistols, machte daraus etwas Roheres. Er trug die schwarze Lederjacke wie eine zweite Haut, enge Jeans, schwere Boots und die berühmte Kette mit Vorhängeschloss um den Hals. Bis zu seinem frühen Tod 1979 wurde sein Bild so oft gedruckt, dass er zum Prototyp des Punks schlechthin wurde. Viele Menschen, die nie einen Sex-Pistols-Song gehört haben, erkennen seinen Look sofort.

Für heute ist die Lehre aus beiden Figuren einfach: Die Lederjacke ist das Fundament, das Accessoire macht den Charakter. Ein Schloss, eine Kette, ein beschriebenes Shirt reichen, um die Linie von 1977 aufzurufen.

Bevor London Punk zum Bild machte, hatte New York schon die Haltung. Im CBGB an der Bowery spielten ab 1974 Bands, die mit dem Glamour der Rockstars nichts anfangen konnten. Richard Hell, zuerst bei Television, dann bei den Heartbreakers und den Voidoids, trug zerrissene Shirts, die er mit Sicherheitsnadeln zusammenhielt, und kurz geschnittene, abstehende Haare. Malcolm McLaren sah ihn in New York und nahm genau dieses Bild mit nach London.

Die Ramones lieferten das Gegenteil von Improvisation: eine Uniform. Vier Musiker, alle in schwarzer Biker-Lederjacke, verwaschenen und kaputten Jeans, schlichtem Shirt und Sneakern. Joey Ramone setzte noch eine runde dunkle Sonnenbrille dazu. Dieser Look änderte sich über zwei Jahrzehnte kaum, und gerade diese Konsequenz machte ihn so stark. Die Lederjacke der Ramones ist bis heute das meistkopierte Teil der ganzen Punk-Geschichte.

Der Unterschied zwischen beiden Lagern ist praktisch nützlich. Richard Hell steht für das kaputte, selbst reparierte Teil. Die Ramones stehen für die perfekte Wiederholung desselben Outfits. Wer einen eigenen Punk-Look aufbaut, kann sich für eine der beiden Richtungen entscheiden: Unikat oder Uniform. Beides ist legitim, beides beginnt fast immer mit einer schwarzen Jacke.

Die Jacke ist in fast jedem Ikonen-Look das Teil, das alles zusammenhält. Sie kann über einem zerschnittenen Shirt sitzen wie bei Hell oder über einem cleanen Basic wie bei den Ramones, und sie funktioniert in beiden Fällen.

Patti Smith beweist, dass ein Punk-Look keine einzige Niete braucht. Das Cover ihres Albums Horses von 1975, fotografiert von Robert Mapplethorpe, zeigt sie in weißem Herrenhemd, mit schwarzem Sakko über der Schulter und einer losen, schmalen Krawatte. Die Haare ungekämmt, der Blick direkt. Das Bild wurde zu einem der einflussreichsten Plattencover überhaupt.

Der Bruch lag hier nicht in der Zerstörung, sondern in der Verweigerung von Geschlechterrollen. Eine Frau in Herrenkleidung, ohne Make-up, ohne jede Bemühung um Gefälligkeit: 1975 war das radikaler als jede Sicherheitsnadel. Patti Smith zeigte, dass Punk eine Frage der Haltung ist und nicht der Hardware.

Für den Alltag ist ihr Ansatz vielleicht der am leichtesten übertragbare. Ein schwarzes Sakko, ein weißes oder schwarzes Hemd, eine schmale Hose, und der Look wirkt nach Punk, ohne verkleidet auszusehen. Wer die ganze Entwicklung von New York bis zur Gegenwart nachverfolgen will, findet die Zeitachse im Artikel zur Geschichte.

Die weiblichen Punk Fashion Icons der 70er haben den Look oft mutiger gebaut als ihre männlichen Kollegen. Jordan, bürgerlich Pamela Rooke, arbeitete im Laden SEX auf der King's Road und pendelte täglich in voller Montur aus Sussex nach London: hoch toupierte, blondierte Haare, grafisches Augen-Make-up, transparente Stoffe, Gummi und Leder. Sie war weniger Musikerin als lebendes Schaufenster, und genau das machte sie zur ersten echten Stil-Ikone der Londoner Szene.

Siouxsie Sioux kam aus dem Kreis der frühen Sex-Pistols-Fans und gründete 1976 Siouxsie and the Banshees. Ihr Markenzeichen war ein extrem gezeichnetes Augen-Make-up, schwarz toupierte Haare, Netzstoff und Leder. Sie ist die Brücke zwischen Punk und Gothic: Viele Elemente, die heute als Goth gelten, hat sie zuerst auf einer Punk-Bühne getragen.

Debbie Harry von Blondie brachte den Gegenentwurf aus New York. Platinblondes Haar mit dunklem Ansatz, Secondhand-Teile, kurze Kleider, Lederjacke darüber. Der Designer Stephen Sprouse entwarf Ende der 70er Bühnenkleider für sie. Harry zeigte, dass Punk auch glamourös sein darf, solange er nicht brav wird.

Wer nach 70s punk fashion female sucht, landet fast immer bei diesen drei Namen. Ihr gemeinsamer Nenner ist nicht ein bestimmtes Teil, sondern die Entscheidung, das eigene Gesicht und den eigenen Körper als Teil des Outfits zu behandeln. Make-up und Frisur waren bei ihnen genauso wichtig wie jede Jacke.

Neben den bekannten Namen gibt es eine zweite Reihe von Frauen, die den Look noch weiter getrieben haben. Sie werden in Listen der top Punk Icons oft vergessen, obwohl ihre Ideen heute überall auftauchen. Jede von ihnen hat ein Element beigesteuert, das bis jetzt im Vokabular der Szene steckt.

• Poly Styrene: Die Sängerin von X-Ray Spex trug grelle Neonfarben, Zahnspange und billige Synthetik als Kommentar zur Konsumgesellschaft. Ihr Song Oh Bondage Up Yours! von 1977 wurde zur Hymne.
• Wendy O. Williams: Die Frontfrau der Plasmatics trug Irokesenschnitt und manchmal nur Isolierband statt Oberteil. Provokation als Bühnenprogramm.
• Joan Jett: Erst bei den Runaways, dann solo. Schwarzes Leder von Kopf bis Fuß, Stufenschnitt, Kajal. Ihr Look ist bis heute die Blaupause für Rock-Leder.
• Kathleen Hanna: Anfang der 90er mit Bikini Kill die Stimme der Riot-Grrrl-Bewegung. Babydoll-Kleider zu Springerstiefeln, Parolen direkt auf der Haut.
• Gaye Advert: Bassistin der Adverts, Lederjacke, dunkel umrandete Augen. Eines der meistfotografierten Gesichter der Londoner Szene von 1977.

Was diese Frauen verbindet, ist ein Prinzip, das bis heute gilt: Der Look muss dir gehören und nicht der Szene. Poly Styrene war bunt, Joan Jett komplett schwarz, und trotzdem gelten beide als Punk. Die Farbe ist zweitrangig, die Entscheidung zählt. Wie sich dieses Prinzip in Bewegung anfühlt, zeigt ein Clip mit harter Silhouette und dunkler Basis.

@fugastudios POV: The apocalypse is a vibe and you're the main character 🌫️ Wasteland Destroyer Set got that dystopian energy#fugastudios #darkfashion #techwear #dystopian #fyp ♬ Originalton - Fuga Studios

Kein Teil im Video ist eine Kopie eines historischen Outfits, aber die Logik ist dieselbe wie bei Joan Jett oder Sid Vicious: dunkle Basis, harte Struktur, kein Element, das gefallen will. Genau so übersetzt man Ikonen in die Gegenwart.

Iggy Pop gilt als Godfather of Punk, und das schon vor dem eigentlichen Punk. Mit den Stooges spielte er Ende der 60er Konzerte, bei denen er oft oberkörperfrei auftrat, in engen Jeans oder Lederhosen, mit Hundehalsband. Sein Stil war der Körper selbst: dünn, ungeschützt, kaum bekleidet. Die Punks von 1976 haben diese Kompromisslosigkeit direkt übernommen.

Joe Strummer von The Clash brachte eine andere Art von Härte. Die Band trug 1977 Hosen und Hemden mit Farbspritzern und schablonierten Parolen, später Militärteile, Arbeitshosen und Boots. Strummer machte Punk politischer und gleichzeitig praktischer: Kleidung, in der man auf die Straße gehen konnte, nicht nur auf die Bühne. Diese Linie zwischen Arbeitskleidung und Statement führt direkt zu heutigen Cargo- und Utility-Looks.

Bei den Hosen sieht man den Einfluss beider Ikonen bis heute. Eng und hart wie bei Iggy oder weit und funktional wie bei Strummer, beide Richtungen funktionieren, solange die Hose Struktur und Hardware mitbringt.

Iggy und Strummer stehen für ein Motto, das sich durch alle Ikonen dieser Liste zieht. Es ist der beste Filter für jede Kaufentscheidung im Punk-Kosmos, und es passt in einen Satz.

Das klingt paradox in einem Artikel über Vorbilder, ist aber der Kern. Wer eine Ikone verehrt, sollte ihre Methode übernehmen und nicht ihren Kleiderschrank. Die Methode heißt: eigene Entscheidung vor fremder Vorlage.

Um die Jahrtausendwende kam Punk im Mainstream an, und mit ihm eine neue Generation von Ikonen. Avril Lavigne erschien 2002 mit Tanktop, locker gebundener Krawatte, Cargohose und Armbändern. Für Millionen Teenager war das der erste Kontakt mit Punk-Mode überhaupt. Puristen haben sie dafür verspottet, aber ihr Look hat mehr Menschen zum Genre gebracht als jedes Underground-Konzert.

Billie Joe Armstrong von Green Day prägte 2004 mit American Idiot ein eigenes Bild: schwarzes Hemd, rote Krawatte, schwarzer Eyeliner, gefärbte Haare. Der Look war straffer und düsterer als der Skate-Punk der 90er und führte direkt in die Emo-Nachbarschaft. Travis Barker, Schlagzeuger von Blink-182, steht mit Tattoos, Dickies-Shorts und später schwarzen Lederteilen für die Verbindung von Skate, Punk und Hip-Hop-Ästhetik.

Diese Generation hat Punk-Mode zugänglich gemacht: Nietengürtel, Band-Shirts, karierte Accessoires und Chucks gab es plötzlich in jeder Einkaufsstraße. Das hat die Kante kurz stumpf gemacht, aber es hat auch Codes etabliert, die heute wieder interessant werden.

Nach 2020 kam Pop-Punk überraschend zurück, und mit ihm neue Gesichter. Machine Gun Kelly wechselte 2020 mit dem Album Tickets to My Downfall vom Rap zum Pop-Punk, produziert von Travis Barker. Willow veröffentlichte 2021 lately I feel EVERYTHING und brachte Gitarrenriffs, Nieten und kurz rasierte Haare in eine Generation, die mit Punk bis dahin wenig zu tun hatte.

Hayley Williams von Paramore verbindet beide Zeiten. Seit Mitte der 2000er steht sie für grell gefärbte Haare, Band-Shirts und eine Bühnenpräsenz, die Pop und Punk nie als Widerspruch behandelt hat. Für viele heutige Fans ist sie die wichtigste Punk-Ikone überhaupt, auch wenn Puristen das anders sehen.

Der Stil dieser aktuellen Ikonen unterscheidet sich deutlich von 1977. Weniger Kostüm, mehr Mix: ein Nietenteil zu weiten Hosen, ein Band-Shirt unter einer cleanen Jacke, Punk-Accessoires zu Streetwear. Gerade bei Oberteilen zeigt sich das, denn hier wird die Grafik zur eigentlichen Aussage.

Wenn du lieber über Kategorien in den Look einsteigen willst als über einzelne Teile, sind das die Richtungen, in denen unser Sortiment die Linie der Ikonen weiterführt. Jede Kategorie deckt einen Baustein aus dieser Liste ab, von der Jacke bis zur Hardware.

Auffällig ist, dass die heutigen Ikonen kaum noch eine feste Uniform haben. Das macht sie schwerer zu kopieren und leichter zu adaptieren: Man nimmt ein Element und baut den Rest selbst.

Die deutsche Linie wird in internationalen Listen meist übersehen, dabei hat sie eine der extremsten Stil-Figuren der ganzen Szene hervorgebracht. Nina Hagen, 1955 in Ost-Berlin geboren, verließ 1976 die DDR und gründete in West-Berlin die Nina Hagen Band. Ihr Look war Theater pur: grell geschminkt, wild toupiert, Kostümteile aus allen Richtungen, dazu eine Stimme, die zwischen Oper und Schrei wechselte. Sie wird international oft als Mutter des Punk bezeichnet.

Campino, Sänger der 1982 in Düsseldorf gegründeten Toten Hosen, steht für den bodenständigeren deutschen Ansatz: Lederjacke, Jeans, Boots, kurze Haare. Weniger Boutique, mehr Kneipe. Dieser pragmatische Stil prägte den Deutschpunk der 80er, in Kreuzberg rund um das SO36 genauso wie in Düsseldorf rund um den Ratinger Hof.

Zwischen Hagens Theater und Campinos Lederjacke liegt die ganze Bandbreite des deutschen Punk-Looks. Beide Pole leben in Berlin bis heute weiter, auf der Straße wie im Club. Wie das in einem modernen Outfit aussieht, zeigt der zweite Clip: dunkle Lagen, harte Details, keine Verkleidung.

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Der Look im Video würde in keinem Archiv als Punk von 1977 durchgehen, und das ist gewollt. Die Ikonen haben ihre Gegenwart getragen, nicht die Vergangenheit. Genau diese Haltung lässt sich übertragen, nicht die Outfits von damals.

Viele Ikonen-Looks waren nicht nur improvisiert, sondern hatten Designer im Hintergrund. Vivienne Westwood und Malcolm McLaren kleideten die Sex Pistols und Jordan ein. Zandra Rhodes brachte 1977 Sicherheitsnadeln und Risse in die Hochmode. Stephen Sprouse entwarf für Debbie Harry und verband Punk-Grafik mit Pop-Glanz. Später zitierten Jean Paul Gaultier und viele andere die Codes auf dem Laufsteg.

Die Beziehung lief dabei in beide Richtungen. Die Designer lieferten Teile, die Ikonen gaben ihnen das Bild, das die Teile berühmt machte. Ohne Rotten wäre der Bondage-Anzug ein Nischenprodukt geblieben, ohne Westwood hätte Rotten anders ausgesehen. Wer sich für die Handschrift der einzelnen Designer interessiert, findet sie in unserem eigenen Artikel.

Der häufigste Wunsch nach einem Artikel über Ikonen ist das Nachstylen. Das geht, aber mit einer klaren Methode. Zuerst entscheidest du, welcher Archetyp zu dir passt: Zerstörer, Uniform, Androgyne, Kunstfigur oder Pop-Erbe. Dann wählst du genau ein Signature-Teil dieser Ikone und baust den Rest des Outfits dunkel und reduziert darum herum.

Konkret heißt das zum Beispiel: Für Sid Vicious reicht eine schwere Kette mit Anhänger zu schwarzer Jacke und dunkler Jeans. Für Patti Smith ein schwarzes Sakko über weißem Hemd mit loser Krawatte. Für die Ramones Lederjacke, kaputte Jeans und schlichtes Shirt. Für Siouxsie dunkles Augen-Make-up und Netzstoff unter einem schwarzen Oberteil. Für Avril Lavigne eine locker gebundene Krawatte zum Tanktop.

Diese Regel klingt streng, aber sie ist der Grund, warum die Looks der Ikonen selbst so stark wirkten. Sid Vicious trug nie gleichzeitig Tartan, Mohawk und Schulkrawatte. Jede Ikone hatte ein klares Zentrum, und das Outfit war um dieses Zentrum gebaut.

Gerade weil die Bilder der Ikonen so bekannt sind, werden sie oft zu wörtlich genommen. Das Ergebnis wirkt dann wie eine Mottoparty statt wie ein eigener Stil. Die meisten Fehlgriffe folgen einem von fünf Mustern.

Alle fünf Fehler haben dieselbe Lösung: dunkle, strukturierte Basis bauen und dann ein einziges, klares Zitat setzen. Am schnellsten gelingt das über Accessoires, denn sie tragen die Zeichensprache der Ikonen auf kleinster Fläche, von der Kette bis zum Armband.

Zum Schluss die Fragen, die rund um Punk-Ikonen am häufigsten auftauchen, kurz beantwortet. Wer tiefer in einzelne Personen oder Epochen will, findet die Verweise weiter oben im Artikel.

Fast fünfzig Jahre nach dem ersten Vorhängeschloss um einen Hals sind die Ikonen des Punk so präsent wie nie, auf Shirts, in Moodboards, auf Laufstegen. Was von ihnen bleibt, ist weniger ein Look als eine Methode, und die lässt sich in einem Satz zusammenfassen.