Emo Fashion Designers: кто на самом деле придумал эмо-лук

Футболка с булавками из Лондона, штаны с ремнями из Нью-Йорка, шарф с черепами с подиума в Париже. И басист из Чикаго, который по ночам рисует худи. Тот, кто в двухтысячных стоял в очереди перед эмо-концертом, носил решения людей, чьи имена почти никто не знал. Лук выглядел так, будто взялся из ниоткуда, из собственной комнаты. Но у него были авторы, и сидели они в очень разных местах.

Emo Fashion Designers — это люди, которые сформировали формы эмо-лука: панк-дизайнеры вроде Vivienne Westwood, сценовые лейблы вроде Tripp NYC, музыканты с собственными марками вроде Pete Wentz и Oli Sykes, плюс подиумные имена вроде Raf Simons и Alexander McQueen. Как лук работает целиком, мы разбираем в нашем эмо-гайде. Здесь речь о головах за ним.

Прежде чем идти по именам, одно разграничение, на котором держится весь остальной текст: марка продаёт одежду, дизайнер решает про форму, крой и деталь. В эмо обе роли часто совпадают, иногда их разделяют континенты.

Эмо никогда не было дизайнерским трендом, спущенным сверху. Сцена возникла в середине восьмидесятых в Вашингтоне, в маленьких хардкор-клубах, и первые аутфиты были простыми: футболка группы, джинсы, стоптанные кроссовки. Никто не показывал там коллекцию. Лук вырос из того, что висело в секонд-хенде, и из того, что можно было изменить маркером и иглой.

И всё же есть дизайнеры, без которых поздний эмо-лук выглядел бы иначе. Панк-дизайнеры семидесятых задали язык: булавки, ремни, клетка, намеренно разбитые края. Сценовые лейблы в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе отлили этот язык в носибельные вещи в девяностые и двухтысячные. А с начала двухтысячных подиумные дизайнеры в Париже и Антверпене смотрели именно на эту молодёжную культуру.

Результат — лук со множеством отцов и матерей. Правило: кто ищет эмо-дизайнеров, ищет не лицо, а цепочку решений. Узкий силуэт пришёл с одной стороны, фурнитура с другой, графика со стола с мерчем. Мы проходим эту цепочку звено за звеном.

Три источника, один лук. Чтобы имена дальше имели смысл, стоит сначала ясно посмотреть, что вообще такое эмо-стиль и по чему ты его узнаёшь.

Эмо-стиль — тёмный, узкий, личный лук из панк- и хардкор-сцены. Типичны узкие штаны или широкие штаны с фурнитурой, облегающие футболки групп, худи, ремни с шипами, плоские кроссовки, волосы, крашенные в чёрный, с длинной чёлкой и тёмный айлайнер. Вещи редко дорогие. Они выглядят ношеными, часто переделанными своими руками.

Что отделяет эмо от Gothic — это позиция. Gothic драматичен и романтичен, эмо прямое и уязвимое. Что отделяет эмо от панка — это близость: панк направлен против мира, эмо говорит о том, что происходит внутри. Эта позиция переводится в одежду, которая сидит близко к телу и мало объясняет.

Для дизайнеров именно в этом и сложность. Лук, который живёт подлинностью, трудно спроектировать. Дизайнеры, сформировавшие эмо, поэтому редко что-то изобретали. Они подхватывали то, что уже было на улице, и делали это точнее, прочнее или заметнее.

Прежде чем говорить об отдельных дизайнерах, ещё вопрос, который многие задают первым: что вообще значит слово эмо и откуда оно взялось?

Эмо — сокращение от emotional, точнее от Emotional Hardcore или Emocore. То есть просто эмоциональный. Изначально термин описывал не моду, а музыку: хардкор-панк, в котором тексты становились личными, а голосу позволялось срываться. Группы вроде Rites of Spring считаются точкой отсчёта.

Только в конце девяностых и прежде всего в двухтысячные эмо стало модным обозначением. С группами, игравшими в больших залах, пришёл узнаваемый лук, а с луком пришли магазины, лейблы и наконец дизайнеры, которые его обслуживали. Многие музыканты сцены никогда не любили это слово. Им казалось, что оно превращает чувство в ярлык.

Для моды эта история важна. Эмо-одежда была сначала сценической одеждой людей без бюджета. То, что они носили, копировали, и только потом кто-то нарисовал вещи, которые должны были выглядеть именно так. Порядок был такой: сцена, публика, лейбл.

Девяностые показывают лук до всякого дизайнера. Следующий шаг ведёт обратно в семидесятые, к человеку, который вообще сделал панк мыслимым как моду.

Vivienne Westwood не придумала эмо. Но без неё не было бы языка, на котором эмо говорит. В семидесятые она держала с Malcolm McLaren магазин на King's Road в Лондоне, ставший точкой сбора панк-сцены. Там висели бондаж-штаны с ремнями между ног, футболки с булавками, порванные свитеры и клетчатые ткани.

Тридцать лет спустя эти детали всплывают в эмо-луке почти один в один. Ремни на штанах, булавка в футболке, клетка на юбке, намеренно открытый шов. Эмо сделало панк Westwood мягче, скроило уже и покрасило темнее. Грамматика осталась прежней.

Важна и её позиция: одежда как высказывание, а не как украшение. Вещь должна что-то говорить, даже если выглядит сломанной. Это ядро эмо и переняло. Порванная футболка там не случайность, а решение.

Кто хочет носить эту линию сегодня, обойдётся без архивных вещей. Булавка, видимый шов, выстиранная ткань: это сигналы, которые тянутся из Лондона через торговый центр до сегодняшних фитов.

Westwood задала язык. Но люди, которые в двухтысячные действительно одели эмо, часто сами стояли на сцене.

Самыми определяющими эмо-дизайнерами двухтысячных были не выпускники модных школ, а музыканты. Они знали, что их публика хочет носить, потому что носили это сами. Их лейблы выросли из мерч-бизнеса и росли дальше, потому что фанаты хотели не только группу, но весь лук.

Pete Wentz, басист Fall Out Boy, основал в середине двухтысячных Clandestine Industries. Худи с мотивами летучих мышей и узкие крои попадали ровно в то, что сцена и так носила. Oli Sykes, вокалист Bring Me the Horizon, запустил в Шеффилде Drop Dead с яркими, комиксовыми принтами и чёрным юмором. Travis Barker основал в 1999 Famous Stars and Straps, Mark Hoppus и Tom DeLonge в 2001 Atticus.

Правило у лейблов музыкантов: достоверность важнее кроя. Эти вещи не всегда были хорошо сшиты, но они шли изнутри. Худи от группы, которую ты видел живьём, несло историю, которую не могла дать ни одна марка из торгового центра.

Что было общего у этих музыкантов: они рисовали для людей, которых каждый вечер видели перед сценой. Вторым большим источником лука был, наоборот, лейбл, который задолго до эмо переосмыслил штаны в Нью-Йорке.

Tripp NYC основал в восьмидесятые в Нью-Йорке Daang Goodman, и сначала лейбл снабжал панк- и клубную сцену. С конца девяностых он висел в каждом магазине торгового центра, где была альтернативная одежда. Штаны с ремнями, D-кольцами, цепями и молниями на ногах стали символом целого поколения.

Подход Goodman был простым: штаны несут аутфит. Сверху хватит чёрной футболки, если снизу висит фурнитура. Эмо переняло этот баланс. Многие эмо-луки двухтысячных состояли из простого верха и штанов, которые делали всё остальное.

Одновременно Tripp показывает, как эмо обошлось с панком. Бондаж-ремни родом из магазина Westwood, но Tripp сделал их доступными по цене, пригодными на каждый день и доступными во многих ширинах. Штаны с ремнями прошли путь от высказывания маленькой сцены до стандарта в торговом центре.

Сегодня принцип так же работает и с более широкими кроями. Шипы на поясе, цепи сбоку, выстиранный деним с позицией: штаны остаются местом, где эмо-фит получает свою жёсткость.

Нью-Йорк и Лондон дали штаны и грамматику. Третий, часто упускаемый источник тёмной молодёжной моды лежал в то же время на другом конце света, в Токио.

В Токио в девяностые выросло поколение дизайнеров, которое относилось к панку и року серьёзнее, чем большинство западных лейблов. Jun Takahashi основал Undercover и работал под девизом делать шум, а не одежду. Его коллекции смешивали панк-цитаты, пэчворк и мрачную графику в вещи, которые были скорее искусством, чем мерчем.

Takahiro Miyashita сформировал в Number (N)ine гранж-лук, открыто ссылавшийся на Kurt Cobain: выстиранная фланель, узкие джинсы, разбитый трикотаж. Nobuhiko Kitamura с восьмидесятых переносил в Hysteric Glamour рок- и пин-ап-графику на футболки и куртки, громко и сознательно трэшово.

Для эмо-лука в Германии эти имена редко были видны напрямую, их вещи были дорогими и труднодоступными. Их влияние шло окольно: через журналы, через музыкантов, которые их носили, через лейблы, которые дешевле пересобирали их идеи. Узкий, тёмный, слегка разрушенный силуэт двухтысячных имеет здесь один из своих истоков.

Что мы берём у японских дизайнеров: сломанное не значит дешёвое. Выстиранная, намеренно повреждённая вещь может быть сделана точнее новой. Именно эта точность в кажущемся случайным и делает сегодня хороший эмо-фит.

Японские лейблы показали, что панк работает на высоком уровне. В начале двухтысячных европейский подиум подтянулся и открыто подхватил молодёжную культуру.

Raf Simons построил карьеру на молодёжных культурах. Бельгийский дизайнер уже в девяностые показывал узкие силуэты, цитаты школьной формы и отсылки к группам. Его коллекция Riot Riot Riot 2001 года с лейерингом, нашивками и капюшонами считается моментом, когда субкультура и подиум окончательно сошлись.

Alexander McQueen дал аксессуар, который сформировал scene- и эмо-годы как мало что другое: шарф с черепами. С 2003 года он всплывал везде, на концертах, в клипах, в фотосъёмках первых лет социальных сетей. Он существовал в бесчисленных цветах, а копий было ещё больше.

Эти два имени показывают, как влияние текло в обе стороны. Дизайнеры смотрели на сцену, сцена забирала свои детали обратно. Почти никто из эмо-кидов не носил настоящие подиумные вещи, но крой худи, узор у шеи и длина штанов в итоге часто шли оттуда.

Аксессуар вроде шарфа показывает, насколько маленьким может быть рычаг. Часто хватает одной вещи у шеи, на ремне или на сумке, чтобы простой аутфит ясно закрепить в эмо-углу.

Сегодня это верно как никогда. Крест на ремне, подвеска на штанах, деталь с позицией: мелкие вещи несут тот почерк, который раньше нёс шарф.

До сих пор звучали прежде всего мужские имена. При этом женщины-дизайнеры сформировали тёмный, бунтарский лук как минимум так же сильно, и о них спрашивают целенаправленно.

К самым известным женщинам-дизайнерам в истории моды относятся Coco Chanel, Vivienne Westwood, Rei Kawakubo, Miuccia Prada и Ann Demeulemeester. Для тёмной, субкультурной моды особенно важны три из них: Westwood для панка, Kawakubo для деконструкции и Demeulemeester для мрачной, поэтичной строгости.

Rei Kawakubo вывела с Comme des Garçons в начале восьмидесятых в Париже чёрный цвет, дыры и асимметричные кроя на подиум. Критики называли это тогда нищетой. Для всех поздних тёмных субкультур это стало разрешением понимать сломанное и чёрное как стиль. Ann Demeulemeester из Антверпена соединяла длинные чёрные слои с рок- и поэтическими отсылками.

В эмо-луке эти дизайнеры появляются не как лейбл, а как принцип. Чёрный без извинений, мышление слоями, намеренно незаконченный край. К этому добавляются многие женщины самой сцены, которые собирали свои аутфиты из вещей секонд-хенда, сетчатых колготок и футболок групп и этим вообще определили женский эмо-лук.

Кто хочет строить лук по категориям, а не по именам, лучше всего начнёт с четырёх кирпичей, которые повторяются у всех дизайнеров: верх, штаны, куртка и мелочи.

Большие имена определены. Интересно, кто сегодня продолжает эмо-почерк, ведь поколение, которое было молодым в двухтысячные, теперь проектирует само.

Хороший пример — Trashy Clothing из Аммана, основанный Shukri Lawrence и Omar Braika. Лейбл работает с иронией, политикой и интернет-культурой. В 2019 году он посвятил коллекцию эмо-кидам двухтысячных: людям, которые нашли свою музыку, свои фотографии и свою сцену онлайн, далеко от торговых центров Калифорнии.

Это показывает, как сместился эмо-дизайн. Раньше лук приходил из нескольких городов и расходился через магазины. Сегодня он возникает везде, где у кого-то есть интернет. Дизайнеры подхватывают уже не локальную сцену, а общую память о MySpace, фотографиях с веб-камеры и выстиранных футболках групп.

Рядом есть множество маленьких лейблов, которые обслуживают эмо, Gothic и Grunge вместе. Они продают почти только онлайн, работают малыми тиражами и быстро реагируют на то, что всплывает в TikTok или в клипах. Дизайнер часто одновременно фотограф, модель и владелец магазина.

Марки и дизайнеры — две стороны одной истории. Для верхнего слоя аутфита у новых действует то же правило, что у старых: куртка с ясной формой бьёт любой логотип.

Поэтому сегодняшние эмо-дизайнеры часто мыслят сетами. Куртка и штаны из одного литья, тёмные цвета, ремни и карманы, которые не только декор. Это логика Tripp, просто продлённая вверх.

С новыми дизайнерами пришёл и новый язык для сцены. Многие из тех, кто сегодня так выглядит, уже не назвали бы себя эмо.

Сегодня эмо чаще всего называют просто эмо, часто с добавкой: emo revival, эмо поколения Z или alt. Того, кто носит лук онлайн, часто зовут e-girl или e-boy. Понятие scene обозначает более яркий вариант конца двухтысячных. Многие говорят просто alt fashion, когда имеют в виду эмо, Gothic и Grunge вместе.

Обозначения изменились, код почти нет. Тёмные волосы, узкие или широкие штаны с фурнитурой, футболки групп, айлайнер, цепь на ремне. Ново прежде всего то, насколько открыто всё смешивается. Сегодняшний эмо-аутфит может содержать сумки Techwear, деним Y2K или украшения Gothic, не теряя своего происхождения.

Вечериночные серии вроде Emo Nite, которые с середины двухтысячных десятых идут во многих городах, показали, что старое поколение так до конца и не убрало свой лук. А новое поколение носит его, не прожив сами годы торговых центров. Для дизайнеров это значит: они рисуют одновременно для памяти и для любопытства.

Как это ни называй: лук всё ещё следует правилам, которые задали дизайнеры от Westwood до Wentz. Эти правила ты можешь применить напрямую.

Из всей дизайнерской истории выводится несколько ясных правил. Первое: одно место несёт аутфит. У Tripp это были штаны, у McQueen шарф, у Wentz худи. Второе: сломанное разрешено, если выглядит намеренным. Третье: чёрный — база, цвет приходит малыми дозами.

Четвёртое: смешивай уровни. Одна вещь с дизайнерской претензией, остальное простое. Так эмо-киды делали всегда, с хорошим ремнём и футболкой со стола с мерчем. Полный лук из одного источника выглядит как каталог, а не как человек.

Самая частая ошибка при пересборке — слишком много сразу. Кто носит все отсылки одновременно, выглядит не по-дизайнерски, а как из магазина карнавальных костюмов. Следующие ошибки мы видим чаще всего.

Кто избегает этих ошибок, обойдётся без дизайнерского бюджета. Почерк сидит в крое, в расстановке акцентов и в одной ясной детали.

Почти все эмо-дизайнеры начинали с малого. Westwood с магазина, Wentz и Sykes с мерча, Trashy Clothing с Instagram. Вход в сценовую моду до сих пор редко идёт через большую модную школу, чаще через собственные вещи, которые хотят другие.

Классический путь: переделывать вещи из секонд-хенда, печатать футболки, пришивать нашивки, показывать результаты онлайн. Кто хочет выучить крой и материал, найдёт курсы в модных школах и центрах дополнительного образования. Важнее сертификата, однако, близость к сцене: концерты, форумы, люди, которые действительно носят этот лук.

Кто всерьёз занимается эмо-дизайном, должен знать историю, которую мы здесь прошли. Не чтобы её копировать, а чтобы знать, какие детали несут смысл. Ремень на штанах никогда не просто ремень.

Для собственного лука верно то же, что для собственного лейбла: начни с одной вещи, которая задаёт направление, и строй остальное вокруг. Washed tee и жёсткий жилет хватает как базы.

Напоследок вопросы, которые про эмо-дизайнеров возникают чаще всего, отвеченные коротко и прямо, без объезда через всю историю.

Имена меняются, формы остаются. Кто знает, откуда пришла деталь, носит её спокойнее и умеет поставить её точно.