Emo Fashion Designers: chi ha disegnato davvero il look emo

Una t-shirt con spilla da balia da Londra, un pantalone con cinghie da New York, una sciarpa con teschi dalla passerella di Parigi. Più un bassista di Chicago che di notte disegna hoodie. Chi negli anni 2000 stava in fila davanti a un concerto emo indossava decisioni di persone di cui quasi nessuno sapeva il nome. Il look sembrava nato dal nulla, dalla propria camera. Aveva però degli autori, e stavano in posti molto diversi.

Gli emo fashion designers sono le persone che hanno dato forma al look emo: designer punk come Vivienne Westwood, label della scena come Tripp NYC, musicisti con marchio proprio come Pete Wentz e Oli Sykes, e nomi da passerella come Raf Simons e Alexander McQueen. Come funziona il look nel suo insieme sta nella nostra guida emo. Qui parliamo delle teste dietro.

Prima di passare ai nomi, una distinzione che regge il resto dell'articolo: un marchio vende vestiti, un designer decide forma, taglio e dettaglio. Nell'emo i due ruoli spesso coincidono, a volte stanno a continenti di distanza.

Emo non è mai stato un trend da designer arrivato dall'alto. La scena è nata a metà degli anni 80 a Washington, D.C., in piccoli club hardcore, e i primi outfit erano semplici: t-shirt della band, jeans, sneaker consumate. Lì nessuno ha presentato una collezione. Il look è cresciuto da ciò che stava appeso nel negozio di seconda mano e da ciò che si poteva cambiare con pennarello e ago.

Esistono comunque designer senza i quali il look emo successivo sarebbe diverso. I designer punk degli anni 70 avevano fissato la lingua: spille da balia, cinghie, quadri, bordi rotti di proposito. Label della scena a New York e Los Angeles hanno colato questa lingua in pezzi indossabili negli anni 90 e 2000. E dall'inizio degli anni 2000 designer da passerella a Parigi e Anversa guardavano esattamente a quella cultura giovanile.

Il risultato è un look con molti padri e molte madri. La regola: chi cerca designer emo non cerca un volto, ma una catena di decisioni. La silhouette stretta arriva da un lato, l'hardware da un altro, la grafica dal tavolo del merch. Percorriamo questa catena anello per anello.

Tre fonti, un look. Perché i nomi abbiano senso dopo, conviene prima guardare con chiarezza cosa definisce lo stile emo e da cosa lo riconosci.

Lo stile emo è un look scuro, stretto e personale che viene dalla scena punk e hardcore. Tipici sono pantaloni sottili o larghi con hardware, t-shirt della band aderenti, hoodie, cinture con borchie, sneaker piatte, capelli tinti di nero con frangia lunga ed eyeliner scuro. I pezzi sono raramente costosi. Sembrano portati, spesso modificati da chi li indossa.

Ciò che separa l'emo dal goth è l'atteggiamento. Il goth è drammatico e romantico, l'emo è diretto e vulnerabile. Ciò che separa l'emo dal punk è la vicinanza: il punk si rivolge contro il mondo, l'emo parla di quello che succede dentro. Questo atteggiamento si traduce in vestiti che stanno vicini al corpo e spiegano poco.

Per i designer proprio questa è la difficoltà. Un look che vive di autenticità è difficile da progettare. Per questo i designer che hanno segnato l'emo hanno raramente inventato qualcosa. Hanno raccolto ciò che in strada c'era già e lo hanno reso più preciso, più durevole o più visibile.

Prima di parlare di singoli designer, un'altra domanda che molti fanno per prima: cosa significa la parola emo e da dove viene?

Emo è la forma breve di emotional, più precisamente di Emotional Hardcore o Emocore. In italiano significa quindi semplicemente emotivo. Il termine all'inizio non descriveva una moda, ma musica: hardcore punk in cui i testi diventavano personali e la voce poteva spezzarsi. Band come Rites of Spring sono considerate il punto di partenza.

Solo a fine anni 90 e soprattutto negli anni 2000 emo è diventato un termine di moda. Con band che suonavano in grandi palazzetti è arrivato un look riconoscibile, e con il look sono arrivati negozi, label e infine designer che lo servivano. A molti musicisti della scena quella parola non è mai piaciuta. Trovavano che trasformasse un sentimento in un cassetto.

Per la moda questa storia conta. I vestiti emo erano prima vestiti da palco di gente senza budget. Quello che indossavano veniva copiato, e solo dopo qualcuno ha disegnato pezzi che dovevano apparire esattamente così. L'ordine era: palco, pubblico, label.

Gli anni 90 mostrano il look prima di ogni designer. Il passo successivo riporta agli anni 70, alla persona che ha reso il punk pensabile come moda.

Vivienne Westwood non ha disegnato l'emo. Ma senza di lei non esisterebbe la lingua che l'emo parla. Negli anni 70 gestiva con Malcolm McLaren un negozio sulla King's Road a Londra, che divenne punto d'incontro della scena punk. Lì erano appesi pantaloni bondage con cinghie tra le gambe, t-shirt con spille da balia, maglioni strappati e tessuti a quadri.

Questi dettagli ricompaiono 30 anni dopo quasi uno a uno nel look emo. Le cinghie sul pantalone, la spilla sulla t-shirt, il quadro sulla gonna, la cucitura aperta di proposito. L'emo ha reso il punk di Westwood più morbido, lo ha tagliato più stretto e tinto più scuro. La grammatica è rimasta la stessa.

Conta anche il suo atteggiamento: vestiti come affermazione, non come decorazione. Un pezzo deve dire qualcosa, anche se sembra rotto. Questo è il nucleo che l'emo ha ripreso. Una t-shirt strappata lì non è un incidente, ma una decisione.

Chi oggi vuole portare questa linea non ha bisogno di pezzi d'archivio. Spilla da balia, cucitura visibile, tessuto lavato: sono i segnali che da Londra passano per il mall e arrivano fino ai fit di oggi.

Westwood ha dato la lingua. Ma le persone che negli anni 2000 hanno davvero vestito l'emo stavano spesso loro stesse sul palco.

I designer emo più influenti degli anni 2000 non erano diplomati di scuole di moda, ma musicisti. Sapevano cosa voleva indossare il loro pubblico perché lo indossavano loro stessi. I loro label sono nati dal business del merch e sono cresciuti perché i fan non volevano solo la band, ma tutto il look.

Pete Wentz, bassista dei Fall Out Boy, ha fondato a metà degli anni 2000 Clandestine Industries. Gli hoodie con motivi di pipistrello e i tagli stretti coglievano esattamente quello che la scena indossava già. Oli Sykes, cantante dei Bring Me the Horizon, ha avviato a Sheffield Drop Dead con stampe accese, da fumetto, e umorismo nero. Travis Barker ha fondato nel 1999 Famous Stars and Straps, Mark Hoppus e Tom DeLonge nel 2001 Atticus.

La regola nei label dei musicisti: credibilità prima del taglio. Questi pezzi non erano sempre ben confezionati, ma venivano da dentro. Un hoodie della band che hai visto dal vivo portava una storia che nessun marchio da mall poteva dare.

Quello che questi musicisti avevano in comune: disegnavano per gente che vedevano ogni sera davanti al palco. La seconda grande fonte del look era invece un label che molto prima dell'emo a New York aveva ripensato il pantalone.

Tripp NYC è stato fondato negli anni 80 a New York da Daang Goodman e serviva prima la scena punk e dei club. Dalla fine degli anni 90 il label era appeso in ogni filiale del mall che trattava abbigliamento alternative. I pantaloni con cinghie, anelli a D, catene e zip sulle gambe sono diventati simbolo di un'intera generazione.

L'approccio di Goodman era semplice: il pantalone porta l'outfit. Sopra basta una t-shirt nera, se sotto pende hardware. L'emo ha ripreso questa distribuzione di peso. Molti look emo degli anni 2000 erano fatti di una parte superiore semplice e di un pantalone che faceva tutto il resto.

Allo stesso tempo Tripp mostra come l'emo ha trattato il punk. Le cinghie bondage arrivano dal negozio di Westwood, ma Tripp le ha rese accessibili, adatte a ogni giorno e disponibili in molte larghezze. Il pantalone con cinghie è passato da affermazione di una piccola scena a standard nel mall.

Oggi il principio funziona allo stesso modo con tagli più larghi. Borchie in cintura, catene sul lato, denim lavato con atteggiamento: il pantalone resta il punto in cui un fit emo prende la sua durezza.

New York e Londra hanno dato pantalone e grammatica. Una terza fonte, spesso trascurata, di moda giovanile scura stava nello stesso periodo all'altro capo del mondo, a Tokyo.

A Tokyo è nata negli anni 90 una generazione di designer che prendeva punk e rock più seriamente della maggior parte dei label occidentali. Jun Takahashi ha fondato Undercover e lavorava con il motto di fare rumore invece di vestiti. Le sue collezioni mescolavano citazioni punk, patchwork e grafica cupa in pezzi più arte che merch.

Takahiro Miyashita ha segnato con Number (N)ine un look grunge che si riferiva apertamente a Kurt Cobain: flanelle lavate, jeans sottili, maglie rotte. Nobuhiko Kitamura ha portato con Hysteric Glamour dagli anni 80 grafica rock e pin-up su t-shirt e giacche, forte e volutamente trash.

Per il look emo in Germania questi nomi erano raramente visibili in modo diretto, i loro pezzi erano costosi e difficili da trovare. La loro influenza passava per vie indirette: per riviste, per musicisti che li indossavano, per label che ricostruivano le loro idee a meno. La silhouette stretta, scura, leggermente distrutta degli anni 2000 ha qui una delle sue origini.

Quello che prendiamo dai designer giapponesi: rotto non significa economico. Un pezzo lavato e danneggiato in modo mirato può essere fatto con più precisione di uno nuovo. Proprio questa precisione nell'apparente casualità fa oggi un buon fit emo.

I label giapponesi hanno mostrato che il punk funziona a livello alto. All'inizio degli anni 2000 la passerella europea ha seguito e ha ripreso apertamente la cultura giovanile.

Raf Simons ha costruito la sua carriera sulle culture giovanili. Il designer belga mostrava già negli anni 90 silhouette sottili, citazioni da uniforme scolastica e riferimenti a band. La sua collezione Riot Riot Riot del 2001, con layering, patch e cappucci, è considerata il momento in cui subcultura e passerella si sono unite definitivamente.

Alexander McQueen ha dato l'accessorio che ha segnato gli anni scene ed emo come quasi nessun altro: la sciarpa con teschi. Dal 2003 compariva ovunque, ai concerti, nei videoclip, nei servizi fotografici dei primi anni dei social. Esisteva in innumerevoli colori, e in ancora più copie.

Questi due nomi mostrano come l'influenza scorresse in entrambe le direzioni. I designer guardavano alla scena, la scena si riprendeva i suoi dettagli. Quasi nessun emo kid indossava veri pezzi da passerella, ma il taglio dell'hoodie, il motivo al collo e la lunghezza del pantalone alla fine venivano spesso da lì.

Un accessorio come la sciarpa mostra quanto piccola possa essere la leva. Spesso basta un solo pezzo al collo, alla cintura o alla borsa per ancorare un outfit semplice chiaramente nell'angolo emo.

Questo vale oggi più che mai. Croce sulla cintura, ciondolo sul pantalone, un dettaglio con atteggiamento: i piccoli pezzi portano la firma che prima portava la sciarpa.

Finora sono comparsi soprattutto nomi di uomini. Eppure le designer donne hanno segnato il look scuro e ribelle almeno altrettanto, e molti chiedono proprio di loro.

Tra le designer più famose della storia della moda ci sono Coco Chanel, Vivienne Westwood, Rei Kawakubo, Miuccia Prada e Ann Demeulemeester. Per la moda scura e subculturale tre di loro sono particolarmente importanti: Westwood per il punk, Kawakubo per la decostruzione e Demeulemeester per un rigore cupo e poetico.

Rei Kawakubo ha portato con Comme des Garçons all'inizio degli anni 80 a Parigi nero, buchi e tagli asimmetrici in passerella. I critici allora lo chiamavano povertà. Per tutte le subculture scure successive è diventato il permesso di intendere rotto e nero come stile. Ann Demeulemeester da Anversa combinava lunghi strati neri con riferimenti rock e poetici.

Nel look emo queste designer non compaiono come label, ma come principio. Il nero senza scuse, il pensare a strati, il bordo volutamente non finito. A questo si aggiungono le molte donne della scena stessa, che hanno composto i loro outfit con pezzi di seconda mano, calze a rete e t-shirt della band, definendo così il look emo femminile.

Chi vuole costruire il look per categoria invece che per nomi parte meglio dai quattro mattoni che ritornano in tutti i designer: parte superiore, pantalone, giacca e piccoli pezzi.

I grandi nomi sono fissati. Interessante è chi scrive oggi il seguito della firma emo, perché la generazione che negli anni 2000 era giovane ormai disegna lei stessa.

Un buon esempio è Trashy Clothing da Amman, fondato da Shukri Lawrence e Omar Braika. Il label lavora con ironia, politica e cultura di internet. Nel 2019 ha dedicato una collezione agli emo kid degli anni 2000: persone che online hanno trovato la loro musica, le loro foto e la loro scena, lontano dai mall in California.

Questo mostra come il design emo si è spostato. Prima il look arrivava da poche città e veniva distribuito tramite negozi. Oggi nasce ovunque qualcuno abbia internet. I designer non riprendono più una scena locale, ma un ricordo condiviso di MySpace, foto da webcam e t-shirt della band lavate.

Accanto a questo ci sono molti piccoli label che servono emo, goth e grunge insieme. Vendono quasi solo online, lavorano con tirature piccole e reagiscono in fretta a quello che compare su TikTok o nei videoclip. Il designer è spesso allo stesso tempo fotografo, modello e gestore dello shop.

Marchi e designer sono due facce della stessa storia. Per lo strato più esterno dell'outfit per i nuovi vale la stessa regola dei vecchi: una giacca con forma chiara batte ogni logo.

Per questo i designer emo di oggi pensano spesso in set. Giacca e pantalone di un pezzo, colori scuri, cinghie e tasche che non sono solo decorazione. È logica Tripp, solo prolungata verso l'alto.

Con i nuovi designer è arrivata anche una nuova lingua per la scena. Molti che oggi hanno questo aspetto non si chiamerebbero più emo.

Oggi gli emo vengono chiamati di solito semplicemente emo, spesso con un'aggiunta: Emo Revival, emo della Gen Z o alt. Chi porta il look online viene spesso chiamato e-girl o e-boy. Il termine scene indica la variante più colorata della fine degli anni 2000. Molti dicono semplicemente alt fashion quando intendono emo, goth e grunge insieme.

Le denominazioni sono cambiate, il codice quasi no. Capelli scuri, pantaloni stretti o larghi con hardware, t-shirt della band, eyeliner, catena alla cintura. Nuovo è soprattutto quanto apertamente si mescola. Un outfit emo di oggi può contenere borse Techwear, denim Y2K o gioielli Gothic senza perdere la sua origine.

Serate come Emo Nite, che da metà degli anni 2010 girano in molte città, hanno mostrato che la vecchia generazione non ha mai del tutto deposto il suo look. E la nuova generazione lo porta senza aver vissuto gli anni del mall. Per i designer significa: progettano per il ricordo e per la curiosità allo stesso tempo.

Comunque lo si chiami: il look segue ancora le regole che i designer da Westwood a Wentz hanno fissato. Queste regole puoi applicarle direttamente.

Da tutta questa storia di designer si ricavano poche regole chiare. Primo: un punto porta l'outfit. In Tripp era il pantalone, in McQueen la sciarpa, in Wentz l'hoodie. Secondo: rotto è permesso, se sembra voluto. Terzo: il nero è la base, il colore arriva in piccole dosi.

Quarto: mescola i livelli. Un pezzo con pretesa da designer, il resto semplice. Così hanno sempre fatto gli emo kid, con una buona cintura e una t-shirt dal tavolo del merch. Un look completo da una sola fonte sembra un catalogo, non una persona.

L'errore più frequente nel ricostruirlo è troppo in una volta. Chi porta tutti i riferimenti insieme non sembra da designer, ma da negozio di carnevale. I seguenti errori sono quelli che vediamo più spesso.

Chi evita questi errori non ha bisogno di un budget da designer. La firma sta nel taglio, nella distribuzione del peso e in un solo dettaglio chiaro.

Quasi tutti i designer emo hanno iniziato in piccolo. Westwood con un negozio, Wentz e Sykes con il merch, Trashy Clothing con Instagram. L'ingresso nella moda di scena passa ancora oggi raramente per la grande scuola di moda, ma per pezzi propri che altri vogliono avere.

La strada classica: modificare pezzi di seconda mano, stampare t-shirt, cucire patch, mostrare i risultati online. Chi vuole imparare taglio e materiale trova corsi in scuole di moda e centri di formazione. Più importante del certificato è però la vicinanza alla scena: concerti, forum, le persone che il look lo portano davvero.

Chi si occupa seriamente di design emo dovrebbe conoscere la storia che abbiamo percorso qui. Non per copiarla, ma per sapere quali dettagli hanno un significato. Una cinghia sul pantalone non è mai solo una cinghia.

Per il look proprio vale lo stesso che per il label proprio: parti con un pezzo che dà la direzione e costruisci il resto attorno. Un washed tee e un gilet duro bastano come base.

Per finire le domande che sui designer emo compaiono più spesso, risposte corte e dirette, senza passare per tutta la storia.

I nomi cambiano, le forme restano. Chi sa da dove viene un dettaglio lo porta con più calma e può usarlo in modo mirato.